David Bowie
| David Bowie | |
|---|---|
| Cantautor, músico, productor y actor británico | |
| Nombre de nacimiento | David Robert Jones |
| Nacimiento | 8 de enero de 1947, Brixton, Londres, Reino Unido |
| Fallecimiento | 10 de enero de 2016, Nueva York, Estados Unidos (69 años) |
| Causa de muerte | Cáncer hepático |
| Nacionalidad | Británico |
| Ocupación | Cantautor, actor, diseñador, productor discográfico, multiinstrumentista |
| Años activo | 1962-2016 |
| Voz | Barítono |
| Instrumentos | Voz, piano, guitarra, bajo, saxofón, flauta, ukelele, sintetizadores, teclados |
| Géneros | Rock, art rock, glam rock, pop rock, new wave, art pop, blue-eyed soul, música electrónica, música experimental |
| Discográficas | Vocalion, Parlophone, Pye, Warner Bros., Deram, Mercury, Philips, Decca, RCA, EMI America, Ryko, EMI, Rhino, Arista, Virgin, BMG, ISO, Columbia, Sony BMG, Legacy, Sony |
| Cónyuges | Angela Barnett (1970-1980, divorciados) Iman (6 de junio de 1992[sin verificar]-2016) |
| Hijos | Duncan Jones (1971), Alexandria Zahra Jones (2000) |
| Sitio web | davidbowie.com |
1. Resumen[editar]
David Robert Jones, nacido como David Robert Jones en Brixton, al sur de Londres, el 8 de enero de 1947 y fallecido en Nueva York el 10 de enero de 2016, fue un cantautor, letrista, actor, multiinstrumentista, productor discográfico y diseñador británico, más conocido por su nombre artístico David Bowie.[1] Figura importante de la música popular durante casi cinco décadas, es considerado un innovador, sobre todo por sus trabajos de los años setenta y por su peculiar voz, además de por la profundidad intelectual de su obra.
Bowie mostró interés por la música desde niño. Estudió arte, música y diseño antes de emprender una carrera profesional como músico en 1963. Lanzó varios sencillos sin éxito y un primer álbum homónimo, antes de lograr notoriedad en julio de 1969, cuando su sencillo «Space Oddity» llegó al top 5 de la lista británica de sencillos. Tras una etapa de experimentación, resurgió en 1972, en plena era del glam rock, con su extravagante y andrógino alter ego Ziggy Stardust, gracias al sencillo «Starman» y al disco The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Su biógrafo David Buckley describió el impacto de Bowie de esa época diciendo que «retó al núcleo de la música rock de la época» y «creó, posiblemente, el personaje más importante de la cultura popular».
En 1975, Bowie consiguió su primer éxito número uno en Estados Unidos con «Fame», compuesta junto a John Lennon y Carlos Alomar, incluida en el álbum Young Americans. El sonido, que el propio Bowie identificó como plastic soul, supuso un cambio radical respecto del estilo que lo había hecho famoso en el Reino Unido. Poco después, su disco minimalista Low (1977), primero de la llamada Trilogía de Berlín, lo mostró avanzando hacia la música electrónica, ambiental y experimental junto a Brian Eno. Los tres álbumes de esa trilogía entraron en el top 5 británico y recibieron elogios de la crítica.
Tras éxitos comerciales desiguales a finales de los años setenta, Bowie obtuvo números uno en el Reino Unido con el sencillo «Ashes to Ashes» y el álbum Scary Monsters (and Super Creeps). Colaboró con Queen en el éxito «Under Pressure» y alcanzó uno de sus momentos de mayor popularidad mundial con Let's Dance (1983), del que se extrajeron los sencillos «Let's Dance», «China Girl» y «Modern Love». Durante las décadas de 1990 y 2000, continuó experimentando con estilos como el blue-eyed soul, la música industrial, el adult contemporary, el jungle y el R&B. No volvió a salir de gira desde A Reality Tour, entre 2003 y 2004, y no se presentó en vivo desde 2006. Su último disco de estudio, Blackstar, salió al mercado el 8 de enero de 2016, dos días antes de su fallecimiento.
Buckley escribió sobre Bowie: «Su influencia fue única en la cultura popular, ha permeado y cambiado más vidas que ninguna otra figura pública». En la encuesta de 2002 de la BBC sobre los 100 británicos más importantes, Bowie se colocó en el puesto número 29. En 2004, la revista Rolling Stone lo posicionó en el puesto 39 entre los cien artistas más importantes de todos los tiempos, y en el 23 entre los mejores cantantes. Ha recibido, además, nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata en el Reino Unido, y cinco de platino y siete de oro en Estados Unidos. Las estimaciones de ventas globales varían según las fuentes.[2]
2. Primeros años y formación[editar]
David Robert Jones nació en Brixton, Londres, el 8 de enero de 1947. Su madre, Margaret Mary «Peggy» Jones, de apellido de soltera Burns y de ascendencia irlandesa, trabajaba como acomodadora de cine. Su padre, Haywood Stenton «John» Jones, era un dirigente de publicidad de la organización infantil Barnardo's. La familia vivía en el 40 de Stansfield Road, cerca de los barrios del sur de Londres de Brixton y Stockwell. Bowie asistió al Stockwell Infants School hasta los seis años, donde se ganó una reputación de niño superdotado y decidido, aunque también rebelde y peleador.
En 1953, la familia se mudó al barrio cercano de Bromley, donde dos años después Bowie inició clases en la Burnt Ash Junior School. Los profesores consideraron su voz «adecuada» para el coro de la escuela y su manera de tocar la flauta por encima de lo normal en cuanto a habilidades musicales. A los nueve años, su forma de bailar resultaba muy imaginativa: los docentes describieron sus interpretaciones como «vistosamente artísticas» y su porte como «sorprendente» para un niño de su edad. Ese año, su interés por la música se reforzó cuando su padre llevó a casa una colección de discos de 45 RPM de artistas como Frankie Lymon, The Platters, Fats Domino, Elvis Presley y Little Richard. Sobre el momento en que escuchó «Tutti Frutti», Bowie dijo después que «había escuchado a Dios». Elvis Presley también le causó una impresión profunda: según recordó, al ver a una de sus primas bailar «Hound Dog» comprendió el poder de la música. Para finales del año siguiente había empezado a tocar el ukelele y el bajo tea-chest, participaba en sesiones de skiffle con amigos y tocaba el piano; sus actuaciones imitando a Presley y Chuck Berry para su grupo de boy scouts fueron descritas como «fascinantes [...] como de otro planeta».
Bowie estudió arte, música y diseño, así como trazado y composición tipográfica. Su medio hermano Terry Burns le introdujo en el jazz moderno, y el entusiasmo del joven por artistas como Charles Mingus y John Coltrane llevó a su madre a regalarle un saxofón alto de plástico en 1961. Poco después empezó a recibir clases de un músico local. En 1962 tuvo un incidente en la escuela cuando su amigo George Underwood, que llevaba un anillo en el dedo, le propinó un puñetazo en el ojo izquierdo durante una pelea por una chica. Los médicos temieron que Bowie perdiera la vista de ese ojo, por lo que debió ausentarse de la escuela mientras le realizaban una serie de operaciones durante una hospitalización de cuatro meses. El daño no pudo repararse del todo y le dejó una percepción de la profundidad defectuosa y una pupila dilatada permanente.[3] Pese a la pelea, Underwood y Bowie siguieron siendo amigos, y Underwood llegó a diseñar las portadas de los primeros discos de Bowie.
3. Trayectoria musical[editar]
3.1. De los primeros grupos al debut discográfico (1962-1969)[editar]
Bowie formó su primera banda, Kon-rads, en 1962, a los quince años. El grupo, con una formación que variaba de cuatro a ocho miembros, tocaba rock and roll basado en la guitarra en reuniones de jóvenes y bodas. Cuando Bowie dejó la escuela al año siguiente, comunicó a sus padres su intención de convertirse en estrella del pop; su madre le consiguió poco después un empleo como ayudante de electricista. Frustrado por las pocas aspiraciones de sus compañeros de banda, Bowie dejó Kon-rads para formar King Bees. Escribió una carta al empresario John Bloom en la que le pedía: «Haz por nosotros lo mismo que ha hecho Brian Epstein por The Beatles, y de paso haz un millón más». Bloom no respondió a la oferta, pero lo derivó al socio de Dick James, Leslie Conn, quien se convirtió en su primer mánager.
El sencillo debut de Bowie, «Liza Jane», acreditado a Davie Jones and the King Bees, no tuvo éxito comercial. Insatisfecho con The King Bees y su repertorio de blues, Bowie abandonó la banda menos de un mes después para unirse a The Manish Boys, otro grupo de blues que incorporaba soul y folk. Su sencillo «I Pity the Fool» no tuvo más éxito que «Liza Jane», y Bowie pasó pronto a Lower Third, un trío de blues influido por The Who. «You've Got a Habit of Leaving» tampoco funcionó y marcó el final del contrato con Conn. Bowie declaró que abandonaría el mundo del pop para estudiar mímica en el teatro Sadler's Wells, pero permaneció un tiempo con Lower Third. Su nuevo mánager, Ralph Horton, lo acompañó en la transición hacia su carrera como solista. Con The Buzz lanzó el sencillo «Do Anything You Say», también de poca repercusión. En esa época se unió además a The Riot Squad; sus grabaciones, que incluían una canción de Bowie y material de The Velvet Underground, nunca vieron la luz. Ken Pitt, presentado por Horton, tomó las riendas de su carrera como mánager.
Insatisfecho con el nombre artístico Davy (o Davie) Jones, que a mediados de los años sesenta invitaba a confusión con Davy Jones de The Monkees, Bowie decidió cambiarse el nombre y escogió Bowie en honor al pionero estadounidense Jim Bowie y al cuchillo que popularizó. Su sencillo en solitario de abril de 1967, «The Laughing Gnome», tampoco entró en las listas de ventas. Seis meses después lanzó su álbum debut, David Bowie, una amalgama de pop, rock psicodélico y music hall. Corrió la misma suerte y significó su último lanzamiento durante dos años.
La fascinación de Bowie por lo bizarro creció cuando conoció al bailarín Lindsay Kemp. Kemp lo introdujo en el teatro avant-garde, la mímica y la comedia del arte, y lo ayudó a soltarse en la creación de personajes. Bowie compuso «Over the Wall We Go», que se convirtió en un sencillo de 1967 interpretado por Oscar; al año siguiente, la canción «Silly Boy Blue» fue lanzada por Billy Fury. Junto a Hermione Farthingale y John Hutchinson, Bowie formó una pequeña banda que combinaba folk, merseybeat, poesía y mímica, y que ofreció unos pocos conciertos entre septiembre de 1968 y comienzos de 1969.
3.2. De «Space Oddity» a Hunky Dory (1969-1971)[editar]
Ante la falta de éxito, Bowie intentó ganarse la vida de otros modos. Apareció en un comercial de helados Lyons Maid, pero fue rechazado en un casting de Kit Kat. Con la intención de promocionar al cantante se filmó una película de treinta minutos con actuaciones de su repertorio, llamada Love You till Tuesday. Aunque no salió a la venta hasta 1984, las sesiones de grabación de enero de 1969 significaron un giro en su carrera cuando Bowie propuso una canción nueva: «Space Oddity». El sencillo se lanzó el 11 de julio de 1969, cinco días antes del lanzamiento del Apolo 11, y entró rápidamente en el top 5 británico.
Su segundo álbum, Space Oddity, apareció en noviembre. Primero se publicó en el Reino Unido bajo el título David Bowie, lo que causó confusión con su predecesor; en Estados Unidos se tituló Man of Words/Man of Music y más tarde se reeditó internacionalmente como Space Oddity. El disco, con letras post-hippies sobre la paz, el amor y la moralidad y una base de folk rock ocasionalmente endurecido, no fue un éxito comercial inmediato.
Bowie conoció a Angela Barnett en abril de 1969 y se casó con ella al año siguiente. Su influencia fue amplia y redujo el papel de Pitt en la carrera del músico. Ya establecido como solista gracias a «Space Oddity», Bowie sintió la necesidad de una banda estable con la que pudiera relacionarse personalmente. Formó un grupo con John Cambridge en la batería, Tony Visconti en el bajo y Mick Ronson en la guitarra. Tras un breve y desastroso comienzo como The Hype, la formación volvió a presentar a Bowie como solista. Cambridge fue reemplazado poco después por Mick Woodmansey. Bowie también despidió a su mánager y lo sustituyó por Tony Defries, lo que condujo a un largo litigio con Pitt.
Las sesiones de estudio dieron como resultado el tercer álbum de Bowie, The Man Who Sold the World, de 1970. Caracterizado por un sonido de hard rock, supuso un cambio radical respecto del rock acústico y folk de Space Oddity. Para promocionar el disco en Estados Unidos, Mercury Records financió una gira de entrevistas de costa a costa entre enero y febrero de 1971. Bowie aprovechó su aspecto andrógino vistiendo un vestido, el mismo que aparecía en la portada de la edición británica. La elección provocó reacciones diversas: John Mendelsohn, de Rolling Stone, lo describió como «deslumbrante, casi una desconcertante reminiscencia de Lauren Bacall», mientras que en la calle un peatón llegó a sacarle un arma y a pedirle que le besara el trasero. Durante ese viaje, Bowie observó a Iggy Pop y Lou Reed y empezó a concebir lo que después sería Ziggy Stardust: una mezcla entre la persona de Pop y la música de Reed, como «el supremo ídolo del pop».
Hunky Dory, de 1971, supuso el regreso parcial del pop ligero en canciones como «Kooks», compuesta para su hijo Duncan Zowie Haywood Jones, nacido el 30 de mayo. Otras partes del álbum exploraron temas más serios e incluyeron tributos directos a sus influencias, como «Song for Bob Dylan», «Andy Warhol» y «Queen Bitch», esta última un pastiche de The Velvet Underground. Aunque en su primer lanzamiento no tuvo mucho éxito, ganó reconocimiento rápidamente con el relanzamiento posterior y en 1973 terminó alcanzando el tercer puesto de la lista británica.
3.3. La era del glam rock y Ziggy Stardust (1972-1974)[editar]
Vestido con un llamativo traje y el cabello teñido de rojo, Bowie estrenó su espectáculo como Ziggy Stardust junto a The Spiders from Mars —Ronson, Bolder y Woodmansey— en el pub Toby Jug, en Tolworth, el 10 de febrero de 1972. El show fue muy popular y lo catapultó al estrellato durante la gira británica de los meses siguientes. Según Buckley, se creó un «culto a Bowie» único, cuya influencia duró más y fue más creativa que casi cualquier otra fuerza dentro del fandom del pop.
The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars se lanzó en junio de 1972 y combinó elementos de hard rock con el rock y pop experimental de Hunky Dory. «Starman» salió como sencillo en abril y fue la pieza clave de su despegue británico: tanto el sencillo como el álbum entraron pronto en las listas tras su actuación de julio en el programa Top of the Pops. El álbum permaneció dos años en listas y arrastró consigo a Hunky Dory. Al mismo tiempo, los sencillos fuera de álbum «John, I’m Only Dancing» y «All the Young Dudes», este último compuesto y producido para Mott the Hoople, se convirtieron en éxitos. La gira Ziggy Stardust continuó hacia Estados Unidos.
Bowie contribuyó con coros en el disco Transformer de Lou Reed, de 1972, y coprodujo el álbum junto a Ronson. Su propio disco de 1973, Aladdin Sane, llegó al primer puesto de las listas británicas, el primero en su carrera. Bowie lo describió como «Ziggy va a América» y contiene canciones compuestas mientras viajaba por Estados Unidos en la primera parte de la gira de Ziggy, que luego siguió en Japón. Aladdin Sane produjo dos sencillos top 5 en el Reino Unido: «The Jean Genie» y «Drive-In Saturday».
El amor de Bowie por la actuación lo llevó a sumergirse por completo en los personajes que creaba. «Fuera del escenario soy un robot. En el escenario consigo emocionarme. Probablemente por eso prefiero disfrazarme de Ziggy a ser David», dijo. Sin embargo, interpretar el mismo papel durante largos períodos le hizo difícil separar a Ziggy Stardust de su propia persona. Según Bowie, Ziggy «no me dejó tranquilo durante años. Aquí fue cuando todo comenzó a agriarse... Toda mi persona se vio afectada. Se convirtió en algo peligroso. Realmente tuve dudas sobre mi cordura». Sus últimas actuaciones como Ziggy, con canciones de Ziggy Stardust y Aladdin Sane, eran ultra teatrales e incluían momentos escandalosos, como desnudarse hasta quedar con un taparrabos de luchador de sumo o simular sexo oral con la guitarra de Ronson. Bowie siguió de gira y dio conferencias de prensa como Ziggy antes de un abrupto y dramático retiro en el Hammersmith Odeon de Londres el 3 de julio de 1973. Imágenes de ese concierto aparecen en la película de 1983 Ziggy Stardust and the Spiders from Mars.
Tras separarse de The Spiders from Mars, Bowie intentó alejarse de Ziggy. Su catálogo comenzaba a ser muy demandado: The Man Who Sold the World se relanzó en 1972 junto con Space Oddity. «Life on Mars?», de Hunky Dory, se lanzó como sencillo en junio de 1973 y llegó al puesto número tres de la lista británica. En septiembre, su canción de 1967 «The Laughing Gnome» entró en la misma lista y se alzó hasta un puesto destacado.[4] En octubre salió Pin Ups, una colección de versiones de canciones favoritas de los años sesenta, que se posicionó en el número uno británico. Del disco se extrajo «Sorrow», que llegó al número tres. Con seis de sus discos en la lista de ventas al mismo tiempo, Bowie se convirtió en el artista con mayores ventas en el Reino Unido de 1973.
3.4. Soul, funk y el Thin White Duke (1974-1976)[editar]
Bowie se mudó a Estados Unidos en 1974, primero a Nueva York y después a Los Ángeles. Diamond Dogs, de ese año, dividido entre el soul y el funk, fue el producto de dos ideas distintas: un musical sobre un futuro salvaje en una ciudad postapocalíptica y la intención de ponerle música a la obra de George Orwell 1984. El disco llegó al número uno en el Reino Unido y al número cinco en Estados Unidos, y produjo los sencillos «Rebel Rebel» y «Diamond Dogs». La gira Diamond Dogs Tour visitó ciudades estadounidenses entre junio y diciembre de 1974, con coreografía de Toni Basil y efectos especiales muy teatrales. Alan Yentob filmó el documental Cracked Actor, en el que se ve a un Bowie escuálido y pálido: la gira coincidió con el paso de su consumo de cocaína a una verdadera adicción. El álbum en directo David Live consolidó su estatus de superestrella, alcanzando el número dos en el Reino Unido y el número ocho en Estados Unidos. Su versión del éxito de Eddie Floyd, «Knock on Wood», entró en el top 10 británico. Después de un descanso en Filadelfia, donde Bowie grabó material nuevo, la gira continuó con un enfoque más soul.
El resultado de las sesiones de Filadelfia fue el álbum Young Americans (1975). El biógrafo Christopher Sandford escribió: «A lo largo de los años, la mayoría de los roqueros ingleses habían intentado, de una u otra manera, convertirse en negros por extensión. Pocos habían tenido éxito como lo tuvo Bowie en ese momento». El sonido, que Bowie identificó como plastic soul, supuso un cambio radical de estilo y sorprendió a muchos de sus seguidores británicos. Young Americans fue un éxito comercial tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido y dio a Bowie su primer número uno estadounidense con «Fame», en colaboración con John Lennon y Carlos Alomar. Bowie fue uno de los primeros artistas blancos en participar en el programa estadounidense Soul Train, donde interpretó con sincronía de labios «Fame» y «Golden Years». Una reedición del sencillo «Space Oddity» se convirtió en su primer número uno británico pocos meses después.
Pese a la fama, Bowie vivía al día. Sandford señaló que, con más de un millón de copias vendidas solo de Ziggy Stardust, Bowie subsistía esencialmente con dinero suelto. En 1975 despidió a su mánager, Tony Defries, en una jugada similar a la que años antes lo había enfrentado a Pitt. Tras meses de litigio, se desprendió de millones de dólares en futuras ganancias. Michael Lippman, su abogado en las negociaciones, se convirtió brevemente en su nuevo representante; Bowie lo despidió al año siguiente.
Station to Station, de 1976, introdujo a un nuevo alter ego, The Thin White Duke, tomado de la letra de la canción que da título al disco. Visualmente, el personaje era una extensión de Thomas Jerome Newton, el extraterrestre que Bowie interpretó ese año en la película The Man Who Fell to Earth. Station to Station desarrolló el funk y el soul de Young Americans y anticipó el krautrock y la música con sintetizadores de sus siguientes lanzamientos. El punto al que había llegado su adicción se hizo público cuando Russell Harty lo entrevistó para la televisión británica poco antes de la gira de promoción. Según Buckley, «las palabras del cantante eran prácticamente ininteligibles durante el tiempo que duró la larga entrevista. [...] Bowie parecía estar completamente desconectado y era casi incapaz de decir una frase coherente». El propio Bowie admitió después que su cordura se había enrarecido por el consumo de cocaína; sufrió varias sobredosis ese año y su aspecto físico comenzó a ser alarmante.
Al lanzamiento de Station to Station le siguió una gira de tres meses y medio por Europa y Estados Unidos. El Isolar Tour incluyó canciones del disco y presentó a la banda que acompañaría a Bowie durante el resto de la década: Carlos Alomar en guitarra rítmica, George Murray en bajo y Dennis Davis en batería. La gira fue un gran éxito, aunque quedó envuelta en controversias políticas. Se citó a Bowie diciendo en Estocolmo que el Reino Unido se beneficiaría con un líder fascista, y fue detenido en las aduanas ruso-polacas por llevar parafernalia nazi. En mayo, al llegar a Londres, protagonizó el llamado «incidente de la Victoria Station»: saludó al público desde un Mercedes descapotable y un fotógrafo captó un gesto que algunos interpretaron como un saludo nazi. Bowie alegó que lo sorprendieron a mitad del saludo con la mano. Más adelante culpó de sus comentarios profascistas de esa época a sus adicciones y al personaje de The Thin White Duke.
3.5. La Trilogía de Berlín (1976-1979)[editar]
Bowie se mudó a Suiza en 1976 y adquirió un chalet en las montañas al norte del lago Lemán. Allí, su consumo de cocaína aumentó y, en paralelo, creció su interés por metas fuera de la música. Comenzó a pintar y produjo varias piezas posmodernas; dibujaba bocetos durante las giras y visitaba galerías de arte. Sandford lo describió como «un prolífico productor y coleccionista de arte contemporáneo».
Antes de finalizar 1976, el interés de Bowie por la escena musical alemana y su necesidad de desintoxicarse lo llevaron a mudarse a Berlín Oeste. Compartió piso con Iggy Pop en el barrio de Schöneberg y empezó a trabajar con Brian Eno. De esa etapa surgieron los tres álbumes conocidos como la Trilogía de Berlín, coproducidos con Tony Visconti: Low, "Heroes" y Lodger. Durante la misma época, Iggy Pop completó su álbum debut, The Idiot, con Bowie como músico y coescritor, y su continuación, Lust for Life. Bowie participó además como tecladista en la gira de Pop por el Reino Unido, Europa y Estados Unidos entre marzo y abril de 1977.
Low (1977), en parte influido por el sonido krautrock de bandas como Kraftwerk y Neu!, evidenció un cambio en la forma de componer de Bowie, que pasó de un método narrativo a una forma musical más abstracta, con letras esporádicas y opcionales. RCA, ansiosa por mantener su empuje comercial, no recibió bien el álbum, y su exmánager Tony Defries, que aún tenía intereses financieros en los asuntos del cantante, intentó impedir su salida. A pesar de las predicciones, de Low se extrajo el sencillo «Sound and Vision», que se posicionó en el número tres de la lista británica. El álbum llegó al número dos en el Reino Unido, superando en ventas a Station to Station. El compositor contemporáneo Philip Glass calificó más tarde a Low como la «obra de un genio» y lo utilizó como base para una de sus sinfonías; también empleó "Heroes" y, posteriormente, Lodger en trabajos sinfónicos.[5]
"Heroes" (1977), segundo disco de la trilogía, incorporó más pop y rock, en parte gracias a la colaboración del guitarrista Robert Fripp. Al igual que Low, reflejó el zeitgeist de la Guerra Fría, simbolizada en la ciudad dividida de Berlín. El álbum llegó al número tres en el Reino Unido. La canción que le da título, aunque solo alcanzó el puesto 24 en la lista británica de sencillos, ganó una popularidad duradera y se publicó en versiones en alemán y en francés. A finales de año, Bowie interpretó la canción en el programa televisivo de Marc Bolan y, dos días después, en un especial navideño de Bing Crosby, con quien cantó «Peace on Earth/Little Drummer Boy». Cinco años después, la grabación se relanzó y llegó al número tres británico en Navidad de 1982.
Después de terminar Low y "Heroes", Bowie pasó gran parte de 1978 en la gira mundial Isolar II, que llevó la música de los dos primeros álbumes de la Trilogía de Berlín a casi un millón de personas en unos setenta conciertos de doce países. Para entonces ya había dejado atrás su problema con las drogas; Buckley escribió que Isolar II fue la primera gira en cinco años en la que Bowie probablemente no se anestesió con grandes cantidades de cocaína antes de subir al escenario. Las grabaciones de la gira dieron como resultado el álbum en directo Stage, lanzado ese mismo año.
La pieza final de lo que Bowie llamó su tríptico, Lodger (1979), evitó la naturaleza minimalista y ambiental de sus predecesores y recuperó parcialmente el rock de guitarra y batería de su época anterior a Berlín. El resultado fue una mezcla compleja de new wave y world music, con algunas escalas orientales. Parte del material se compuso usando las cartas Oblique Strategies creadas por Eno y Peter Schmidt: «Boys Keep Swinging» implicó que los músicos cambiaran de instrumentos, «Move On» usó acordes de «All the Young Dudes» tocados al revés, y «Red Money» reutilizó partes de «Sister Midnight», canción compuesta antes con Iggy Pop. El disco se grabó en Suiza y Estados Unidos. Lodger llegó al número cuatro en el Reino Unido y al veinte en Estados Unidos, y produjo los sencillos británicos «Boys Keep Swinging» y «DJ». Hacia finales de 1979, Bowie y Angela iniciaron los trámites de divorcio; el matrimonio terminó a comienzos de 1980.
3.6. Los años pop (1980-1987)[editar]
De Scary Monsters (and Super Creeps) (1980) se extrajo el sencillo número uno «Ashes to Ashes», con trabajo de texturas de guitarra-sintetizador a cargo de Chuck Hammer y el regreso del personaje Major Tom de «Space Oddity». La canción dio exposición internacional al movimiento new romantic underground cuando Bowie visitó el club londinense Blitz para reclutar a algunos de sus asistentes habituales, incluido Steve Strange de Visage, para el videoclip, considerado uno de los más innovadores de la época. Aunque Scary Monsters utilizó algunos principios de los álbumes de Berlín, los críticos lo consideraron mucho más directo musical y líricamente. Su borde hard rock incluyó contribuciones de guitarra de Robert Fripp y Pete Townshend. Encabezó la lista británica de álbumes por primera vez desde Diamond Dogs. Mientras «Ashes to Ashes» llegaba al número uno en el Reino Unido, Bowie comenzó una temporada de tres meses protagonizando la obra The Elephant Man en Broadway.
En 1981, Bowie se asoció con Queen para el sencillo «Under Pressure». El dúo fue un éxito y se convirtió en el tercer sencillo número uno de Bowie en el Reino Unido. Ese año hizo un cameo en la película alemana Christiane F., una historia real de drogadicción adolescente en el Berlín de los años setenta. Su banda sonora, repleta de música de Bowie, se lanzó pocos meses después. Bowie también protagonizó en 1982 la adaptación televisiva de la obra de Bertolt Brecht Baal, hecha por la BBC, y se publicó un EP con cinco canciones de la obra. En marzo de 1982 salió el sencillo «Cat People (Putting Out Fire)», compuesto con Giorgio Moroder para la película de Paul Schrader. La canción fue número uno en varios países europeos y recibió una nominación al Globo de Oro.
Bowie alcanzó otro punto álgido con Let's Dance (1983), coproducido por Nile Rodgers, integrante de Chic. El álbum fue platino en el Reino Unido y en Estados Unidos. Sus tres sencillos entraron en el top 20 de ambos países: «Let's Dance» llegó al número uno, y «Modern Love» y «China Girl» llegaron al número dos en el Reino Unido. Los videoclips, según Buckley, «activaron arquetipos claves para el mundo del pop» y garantizaron una rotación frecuente en MTV. La gira Serious Moonlight Tour, de seis meses, fue un gran éxito.
Tonight (1984), también orientado al baile, contó con la colaboración de Tina Turner y, una vez más, de Iggy Pop. Incluyó varias versiones, entre ellas el éxito de 1966 de The Beach Boys «God Only Knows». El álbum generó el hit transatlántico top 10 «Blue Jean». En 1985, Bowie participó en el concierto benéfico Live Aid en el estadio de Wembley y, junto a Mick Jagger, grabó una versión de «Dancing in the Street», que fue número uno en el Reino Unido y número siete en Estados Unidos. En 1986 actuó en la película Absolute Beginners; su canción principal llegó al número dos en el Reino Unido. También protagonizó Labyrinth (1986) y escribió cinco canciones originales para el filme. Su último álbum en solitario de la década fue Never Let Me Down (1987), que llegó al número seis británico y produjo los éxitos «Day-In Day-Out», «Time Will Crawl» y «Never Let Me Down». Bowie lo describió después como su punto más bajo.
3.7. De Tin Machine a los últimos años (1988-2016)[editar]
Entre 1988 y 1992, Bowie lideró la banda de hard rock Tin Machine. Retomó su carrera solista en 1993 y continuó experimentando con estilos musicales, incluyendo música industrial, jungle y drum and bass. En esa época también incursionó en internet: mediante su sitio BowieNet fue uno de los primeros artistas en relacionarse directamente con sus seguidores en línea. Además, creó los llamados Bowie Bonds, una forma temprana de titulizar ingresos futuros de catálogo musical.
En 2004 se retiró de las giras con A Reality Tour y su última presentación en vivo se registró en 2006, en un evento benéfico. Tras una pausa discográfica de una década, volvió en 2013 con The Next Day. Su último álbum de estudio, Blackstar, salió el 8 de enero de 2016, el día de su cumpleaños número 69, dos días antes de su muerte. Fue analizado como una despedida poderosa a sus seguidores.
4. Estilo y características[editar]
Bowie es conocido por su capacidad de reinvención constante y por la construcción de personajes que, en varios momentos, se confundieron con su figura pública. Ziggy Stardust fue su creación más célebre: un mesías del rock de apariencia andrógina y origen extraterrestre. Otros alter egos importantes fueron Halloween Jack, presentado en Diamond Dogs, y The Thin White Duke, asociado a Station to Station. El personaje de Major Tom, el astronauta de «Space Oddity», reapareció años después en «Ashes to Ashes» y se convirtió en un hilo narrativo dentro de su obra.
Su música transitó por numerosos géneros, entre ellos art rock, glam rock, pop rock, new wave, art pop, blue-eyed soul, música electrónica, música ambiental, hard rock, funk, soul, música industrial, jungle y drum and bass. Su voz, clasificada como barítono, era parte central de su identidad artística, con un timbre que los críticos asociaron tanto a su capacidad camaleónica como a la profundidad interpretativa de sus canciones.
En el plano visual, Bowie fue un pionero del videoclip y de la presentación escénica como obra conceptual. Sus portadas, vestuarios, maquillajes y puestas en escena ayudaron a definir el glam rock y, más tarde, el new romantic. Su imagen andrógina amplió los márgenes del rock y desafió los códigos de masculinidad de su época, lo que lo convirtió en una figura influyente para la cultura LGBTQ, aunque su vida sexual haya sido motivo de disputa y de relato cambiante.
5. Palmarés y récords[editar]
Bowie obtuvo a lo largo de su carrera numerosos reconocimientos:
- Seis premios Grammy y cuatro Brit Awards.
- Ingreso al Salón de la Fama del Rock en 1996.
- En 2004, Rolling Stone lo ubicó en el puesto 39 entre los cien artistas más grandes de todos los tiempos y en el 23 entre los mejores cantantes.
- En 2002, la BBC lo situó en el puesto 29 entre los 100 británicos más importantes.
- En el Reino Unido, recibió nueve discos de platino, once de oro y ocho de plata; en Estados Unidos, cinco de platino y siete de oro.
- Logró once álbumes número uno en el Reino Unido, incluyendo Aladdin Sane (1973) y Scary Monsters (and Super Creeps) (1980).
- Obtuvo sencillos número uno en el Reino Unido o en Estados Unidos con «Space Oddity» (en su reedición británica de 1975), «Fame», «Ashes to Ashes», «Under Pressure», «Let's Dance» y «Dancing in the Street» con Mick Jagger.
Las ventas globales de sus discos fueron estimadas durante su vida en más de 100 millones de copias, una cifra que algunas fuentes elevan hasta cerca de 136 millones.[2:1]
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- David Bowie (1967)
- Space Oddity (1969, publicado inicialmente como David Bowie)
- The Man Who Sold the World (1970)
- Hunky Dory (1971)
- The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)
- Aladdin Sane (1973)
- Pin Ups (1973)
- Diamond Dogs (1974)
- Young Americans (1975)
- Station to Station (1976)
- Low (1977)
- "Heroes" (1977)
- Lodger (1979)
- Scary Monsters (and Super Creeps) (1980)
- Let's Dance (1983)
- Tonight (1984)
- Never Let Me Down (1987)
- The Next Day (2013)
- Blackstar (2016)
[ Desplegar / Plegar: sencillos representativos ]
- «Space Oddity»
- «Starman»
- «Life on Mars?»
- «Fame»
- «Golden Years»
- «Sound and Vision»
- «"Heroes"»
- «Ashes to Ashes»
- «Under Pressure» (con Queen)
- «Let's Dance»
- «China Girl»
- «Modern Love»
- «Blue Jean»
- «Dancing in the Street» (con Mick Jagger)
6. Vida pública y legado[editar]
Bowie es considerado uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Su reinvención constante, su trabajo escénico y su relación con la moda tuvieron impacto en la cultura popular más allá del rock. Su biógrafo David Buckley sostuvo que su influencia «permeó y cambió más vidas que ninguna otra figura pública». La revista Rolling Stone, la BBC y el Salón de la Fama del Rock han reconocido su centralidad dentro de la música popular contemporánea.
También fue actor, con papeles destacados en películas como The Man Who Fell to Earth (1976), Merry Christmas, Mr. Lawrence (1983), Absolute Beginners (1986), Labyrinth (1986), Basquiat (1996) y The Prestige (2006). Su relación con el cine y el teatro fue parte de su identidad artística: varios de sus personajes musicales tuvieron vínculos directos con sus papeles cinematográficos, como ocurrió con Thomas Jerome Newton y The Thin White Duke.
En el terreno financiero, los Bowie Bonds de finales de los años noventa fueron un precedente temprano de la titulización de derechos musicales. En el terreno digital, BowieNet lo colocó como uno de los primeros artistas en usar internet para relacionarse directamente con su público. Su muerte, en 2016, se leyó en buena medida a la luz de Blackstar, un álbum lanzado dos días antes y cargado de símbolos de despedida.
El legado de Bowie incluye no solo su discografía, sino una forma de entender el pop y el rock como un arte en transformación permanente. Su influencia se extendió a generaciones de músicos, diseñadores, cineastas y artistas visuales. La combinación de música, personaje, imagen y escenografía lo convirtió en un modelo singular dentro del entretenimiento popular del siglo XX.
7. Presencia en el mundo hispanohablante[editar]
Bowie es una figura de referencia para el público hispanohablante desde los años setenta. Sus lanzamientos circularon en España y en América Latina principalmente a través de las ediciones internacionales de sellos como RCA, EMI, Virgin, Columbia y Sony, y de la programación de radio y televisión. Canciones como «Space Oddity», «Heroes», «Under Pressure», «Let's Dance» y «Modern Love» tuvieron amplia difusión en los espacios dedicados al rock y al pop en español.
No consta una etapa latinoamericana estable y recurrente en su carrera, ni un calendario exhaustivo de giras por países hispanohablantes. Su vínculo con el público de la región se dio sobre todo mediante el consumo de su catálogo, la circulación de sus videoclips y la influencia que su estética y su capacidad de reinvención tuvieron en artistas de habla hispana. Muchos de sus álbumes y canciones conservaron sus títulos en inglés, lo que facilitó su identificación como repertorio internacional.
En términos de distribución, los títulos de Bowie se mantuvieron disponibles en formatos físicos durante varias décadas y, más tarde, pasaron a las plataformas digitales. La vigencia de su obra en los países de habla hispana se advierte en la programación de emisoras de rock clásico, en la persistencia de sus canciones en bandas sonoras y en la frecuencia con que se le cita como una influencia del rock en español.
En inglés, el apellido se aproxima a la pronunciación «Bóu-i», no «Báui». ↩︎
Las cifras de ventas varían: en español se menciona cerca de 136 millones de discos, mientras que otras biografías y resúmenes en inglés hablan de más de 100 millones. ↩︎ ↩︎
La diferencia aparente de color entre sus ojos no era heterocromía, sino anisocoria: la pupila del ojo izquierdo quedó dilatada de forma permanente tras la lesión de 1962. ↩︎
El puesto exacto de «The Laughing Gnome» en la lista británica aparece como número 4 en las fuentes en español y como número 6 en las inglesas. ↩︎
Philip Glass adaptó álbumes de la Trilogía de Berlín en obras sinfónicas. Las fuentes en español mencionan las sinfonías basadas en Low y "Heroes" en 1992 y 1996, respectivamente; las inglesas añaden una tercera adaptación de Lodger en 2019. ↩︎