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Eric Clapton

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Eric Clapton
Nombre de nacimientoEric Patrick Clapton
Nacimiento30 de marzo de 1945, Ripley, Surrey, Inglaterra
AliasSlowhand, God
NacionalidadBritánica
OcupaciónGuitarrista, cantante, compositor
Años activo1962–presente
InstrumentosVoz, guitarra
GénerosRock, blues, blues rock, hard rock, rock psicodélico
CónyugesPattie Boyd (1979–1989, div.)
Melia McEnery (2002–presente)
Hijos5 (Conor Clapton, fallecido; Julie Rose; Ella May; Sophie Belle; Ruth)
GruposThe Yardbirds, John Mayall & the Bluesbreakers, Cream, Blind Faith, Delaney & Bonnie, Derek and the Dominos, entre otros
Sitio webericclapton.com

1. Resumen[editar]

Eric Patrick Clapton (Ripley, Surrey, Inglaterra, 30 de marzo de 1945) es un guitarrista, cantante y compositor británico de rock y blues, ampliamente reconocido como uno de los músicos más influyentes y exitosos de la historia del rock. Apodado Slowhand («mano lenta») desde su etapa con The Yardbirds y God («Dios») en su época con Cream, Clapton desarrolló un estilo basado en el blues que lo convirtió en figura central de la escena británica de los años sesenta y en referente para generaciones posteriores de guitarristas.

Su trayectoria abarca más de seis décadas y varias formaciones decisivas para la historia del rock. Fue miembro fundador de Cream, uno de los primeros supergrupos y power tríos del género, y de Derek and the Dominos, banda con la que grabó «Layla», una de las canciones más celebradas del repertorio rockero. Como solista, vendió alrededor de 100 millones de discos en todo el mundo, un dato que lo ubica entre los artistas con mayores ventas de todos los tiempos.[1]

Clapton es el único artista en haber ingresado tres veces al Salón de la Fama del Rock and Roll: en 1992 con The Yardbirds, en 1993 con Cream y en 2000 como solista. La revista Rolling Stone lo ubicó en el segundo puesto de su lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos, y ha recibido 18 premios Grammy a lo largo de su carrera.[2] En 2004 fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico (CBE) por sus servicios a la música.

La vida personal de Clapton ha estado marcada por episodios trágicos y polémicos. Su adicción a la heroína y al alcohol en los años setenta lo apartó temporalmente de los escenarios, y la muerte de su hijo Conor en 1991 inspiró una de sus composiciones más conocidas, «Tears in Heaven». Sus declaraciones políticas en 1976, cuando manifestó apoyo al político conservador Enoch Powell, provocaron un fuerte rechazo y contribuyeron a la creación del movimiento Rock Against Racism.

2. Primeros años y formación[editar]

Clapton nació el 30 de marzo de 1945 en Ripley, una localidad del condado de Surrey, en el sureste de Inglaterra. Su madre, Patricia Molly Clapton, tenía 16 años en el momento del parto; su padre, Edward Walter Fryer, era un soldado canadiense de 25 años originario de Montreal, Quebec. Fryer fue enviado al Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial y regresó a Canadá antes del nacimiento de Eric, de modo que el futuro músico creció sin conocerlo.[3]

La infancia de Clapton estuvo envuelta en una ficción familiar que tardó en descubrir. Fue criado por su abuela, Rose, y por el segundo esposo de esta, Jack Clapp, a quienes durante mucho tiempo consideró sus padres; su madre biológica pasó por ser su hermana mayor. El apellido Clapton proviene de Reginald Cecil Clapton, primer esposo de Rose y abuelo materno de Eric, lo que ha generado periódicas confusiones con el apellido Clapp.[4] Cuando Clapton tenía nueve años, su madre —que se había casado con otro soldado canadiense y se había marchado de Inglaterra— regresó de visita acompañada de su hermano Brian. Fue entonces cuando el niño descubrió la verdad, un punto de inflexión que, según sus propias palabras, lo distanció de la familia y afectó su rendimiento escolar.[5]

El entorno familiar no era ajeno a la música: la abuela Rose tocaba el piano y tanto su madre como su tío escuchaban las grandes bandas de la época. Clapton recibió su primera guitarra, una acústica alemana de la marca Hoyer, como regalo por su decimotercer cumpleaños. El instrumento, de cuerdas de acero, le resultó incómodo al principio y lo abandonó temporalmente; dos años después lo retomó y comenzó a practicar de forma obsesiva, emulando los discos de blues que escuchaba. Utilizaba una grabadora Grundig portátil para registrar sus sesiones y repetirlas hasta quedar satisfecho.[6]

Tras abandonar la escuela en 1961, Clapton estudió en el Kingston College of Art, del que fue expulsado al final del año académico por concentrarse exclusivamente en la música. Para entonces ya era un guitarrista suficientemente hábil como para llamar la atención en los círculos musicales de Kingston, Richmond y el West End londinense. Antes de dedicarse por completo a la música, trabajó como obrero junto a su abuelo. En 1962 comenzó a tocar en dúo con el guitarrista Dave Brock por los pubs de Surrey y, a los 17 años, ingresó a su primera banda, The Roosters, en la que permaneció de enero a agosto de 1963. En octubre de ese mismo año ofreció siete conciertos con la banda Casey Jones and the Engineers.[7]

3. Trayectoria[editar]

3.1. The Yardbirds (1963–1965)[editar]

En octubre de 1963, Clapton se unió a The Yardbirds, una banda británica de rhythm and blues en la que sustituyó al guitarrista Anthony «Top» Topham. El grupo lo completaban Keith Relf en voz y armónica, Paul Samwell-Smith en bajo, Chris Dreja en guitarra rítmica y Jim McCarty en batería. Durante sus dieciocho meses en el grupo, Clapton se ganó el apodo de Slowhand.[8]

The Yardbirds comenzó a hacerse un nombre en la escena londinense cuando tomó el lugar que The Rolling Stones había dejado en el Crawdaddy Club de Richmond. El grupo giró por Inglaterra con el bluesman estadounidense Sonny Boy Williamson II, con quien se grabó en diciembre de 1963 el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds, publicado en 1965. En 1964 apareció Five Live Yardbirds, un disco en vivo en el que quedaron registradas las largas improvisaciones y los solos de guitarra de Clapton.

El primer gran éxito de The Yardbirds fue «For Your Love», compuesta por Graham Gouldman y publicada en marzo de 1965. El sencillo alcanzó el número 2 en el Reino Unido y el número 6 en Estados Unidos,6 pero también marcó el giro comercial de la banda hacia un sonido más pop. Clapton, profundamente apegado al blues, rechazó esa orientación y abandonó el grupo. Recomendó como sustituto a su amigo Jimmy Page, que declinó la oferta por lealtad y propuso a su vez a Jeff Beck, entonces guitarrista de The Tridents. Clapton, Beck y Page no llegaron a coincidir simultáneamente en The Yardbirds, aunque en 1983 tocaron juntos en una gira benéfica en favor de la investigación de la esclerosis múltiple.

3.2. John Mayall & the Bluesbreakers (1965–1966)[editar]

Clapton se unió a John Mayall & the Bluesbreakers en abril de 1965, abandonó el grupo a los pocos meses y, tras una breve estancia en Grecia con la banda The Glands —en la que tocaba el piano su amigo Ben Palmer—, regresó en octubre de ese mismo año. Fue en esta segunda etapa cuando se consolidó como el mejor guitarrista de blues del circuito de clubes inglés. En marzo de 1966, sin dejar la banda de Mayall, participó en el proyecto paralelo Eric Clapton and the Powerhouse junto a Jack Bruce y Steve Winwood, entre otros, con el que se grabaron apenas unos pocos temas.

El trabajo más influyente de esa época es Blues Breakers with Eric Clapton, un álbum que los aficionados suelen llamar The Beano Album por la fotografía de portada, en la que Clapton aparece leyendo el cómic británico The Beano.[9] El disco no se publicó hasta después de su salida definitiva de la banda, en julio de 1966. Para entonces Clapton había cambiado su Fender Telecaster y su amplificador Vox AC30 por una Gibson Les Paul Standard de 1960 y un amplificador Marshall, una combinación que definió el sonido del blues rock británico de la época. La admiración que despertaba quedó resumida en el famoso grafiti «Clapton is God» («Clapton es Dios»), pintado por un admirador anónimo en una pared del barrio de Islington, en el norte de Londres, en 1967. La pintada fue fotografiada con un perro orinando en la misma pared; Clapton declaró años después que nunca aceptó ser el mejor guitarrista del mundo, aunque sí lo deseaba como ideal.[10]

3.3. Cream (1966–1968)[editar]

En julio de 1966, Clapton dejó a los Bluesbreakers —donde fue sustituido por Peter Green— y formó Cream junto al bajista y cantante Jack Bruce y al baterista Ginger Baker. El trío es considerado uno de los primeros supergrupos y power tríos del rock. Antes de Cream, Clapton era prácticamente desconocido en Estados Unidos, ya que había dejado The Yardbirds antes de que «For Your Love» entrara al Top 10 estadounidense. El primer concierto no oficial de Cream tuvo lugar el 29 de julio de 1966 en el club Twisted Wheel de Mánchester, y el debut oficial se produjo dos noches después en el National Jazz and Blues Festival de Windsor.

Cream construyó su leyenda con improvisaciones de blues a alto volumen y con solos extendidos en vivo. A principios de 1967, la llegada de Jimi Hendrix a Londres sacudió el estatus de Clapton como máximo guitarrista británico. Hendrix asistió a un concierto de Cream en el Central London Polytechnic el 1 de octubre de 1966 y participó en una versión de «Killing Floor»; encuentros posteriores entre ambos marcaron una rivalidad admirativa que influyó en la siguiente etapa de Clapton.[11]

La primera visita de Clapton a Estados Unidos se produjo con Cream en marzo de 1967, cuando el grupo ofreció nueve conciertos en el teatro RKO de Nueva York. Allí comenzó a usarse una de las guitarras más célebres de Clapton: «The Fool», una Gibson SG pintada a mano con motivos psicodélicos. En mayo de ese año se grabó en Nueva York Disraeli Gears, el álbum que consolidó al trío. Entre los éxitos estadounidenses de Cream figuran «Sunshine of Your Love» (número 5 en 1968), «White Room» (número 6 en 1968) y «Crossroads» (número 28 en 1969), una versión en vivo de «Cross Road Blues» de Robert Johnson.

Cream tuvo una vida breve pero comercialmente exitosa: en 28 meses vendió millones de discos y tocó por Europa y Estados Unidos. Las tensiones internas, sobre todo entre Bruce y Baker, y el consumo excesivo de drogas y alcohol precipitaron su disolución. El álbum de despedida, Goodbye, recogió actuaciones en vivo grabadas en The Forum de Los Ángeles el 19 de octubre de 1968 e incluyó el sencillo «Badge», coescrito con George Harrison. Fue en esa época cuando Clapton participó como guitarrista invitado en «While My Guitar Gently Weeps», del álbum blanco de The Beatles: junto a Yoko Ono y, más tarde, Billy Preston, Clapton es uno de los pocos músicos no integrantes del cuarteto que tocaron en un disco oficial de The Beatles.[12] Harrison lo acreditó en «Badge» bajo el seudónimo L’Angelo Misterioso por restricciones contractuales, y Clapton acumuló múltiples colaboraciones con él en las décadas siguientes.

Cream se reunió brevemente en 1993 para su ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll y, de forma más completa, en 2005, con cuatro conciertos en el Royal Albert Hall de Londres y tres en el Madison Square Garden de Nueva York. Las grabaciones londinenses se publicaron con el título Royal Albert Hall London May 2-3-5-6 2005. Clapton ha declarado que tocar en el Royal Albert Hall es como «tocar en la sala de mi casa»; su primera actuación allí data de diciembre de 1964 con The Yardbirds, y desde entonces se ha presentado en el recinto en más de 200 ocasiones.[13]

3.4. Blind Faith (1969)[editar]

Tras la disolución de Cream, Clapton formó Blind Faith con Ginger Baker, Steve Winwood, procedente de Traffic, y Ric Grech, de Family. El supergrupo debutó el 7 de junio de 1969 en Hyde Park, Londres, ante unas 100.000 personas, y ofreció conciertos por Escandinavia y una gira estadounidense que se agotó antes de publicarse su único álbum, Blind Faith. El disco, grabado con prisa en los Olympic Studios bajo producción de Jimmy Miller, contiene seis canciones, entre ellas «Can’t Find My Way Home»; la balada «Presence of the Lord» es la primera composición acreditada únicamente a Clapton. La portada original —que mostraba a una niña preadolescente semidesnuda— causó polémica en Estados Unidos y fue reemplazada por una fotografía de la banda. Blind Faith se disolvió en menos de siete meses.

3.5. Delaney & Bonnie y primer álbum en solitario (1969–1970)[editar]

Tras la disolución de Blind Faith, Clapton se alejó del primer plano y salió de gira como músico acompañante de Delaney & Bonnie and Friends, el dúo que había abierto los conciertos del supergrupo. Con ellos participó en el álbum On Tour with Eric Clapton, el más vendido del grupo. El líder de la banda, Delaney Bramlett, animó a Clapton a cantar y a componer, y con su banda de apoyo y una serie de músicos de sesión —entre otros, Leon Russell y Stephen Stills— el guitarrista grabó su primer álbum solista, titulado simplemente Eric Clapton (1970). El disco incluyó la versión de «After Midnight», de J.J. Cale, que llegó al número 18 en Estados Unidos, y composiciones firmadas con los Bramlett como «Let It Rain» y «Bottle of Red Wine». En esa época, Clapton también participó como instrumentista en numerosas sesiones, entre otras en All Things Must Pass de George Harrison.

El 30 de septiembre de 1969, Clapton registró la guitarra principal del sencillo «Cold Turkey» de John Lennon, y en diciembre de ese mismo año tocó como parte de la Plastic Ono Supergroup en un concierto benéfico para UNICEF en Londres. También formó parte de la banda de acompañamiento de The Plastic Ono Band en el Toronto Rock and Roll Revival de septiembre de 1969, actuación recogida en Live Peace in Toronto 1969.

3.6. Derek and the Dominos (1970–1971)[editar]

Para contrarrestar el culto a su figura y demostrar que podía funcionar dentro de un colectivo, Clapton reunió a la sección rítmica de Delaney & Bonnie: el tecladista y vocalista Bobby Whitlock, el bajista Carl Radle y el baterista Jim Gordon. El proyecto se llamó primero «Eric Clapton and Friends» y luego «Del and the Dynamos», pero una confusión al leer el nombre provisional terminó convirtiéndolo en Derek and the Dominos.

La amistad de Clapton con George Harrison lo puso en contacto con Pattie Boyd, esposa de Harrison, de quien se enamoró. El rechazo de Boyd alimentó la mayor parte del repertorio del único álbum de estudio del grupo, Layla and Other Assorted Love Songs (1970), grabado en los Criteria Studios de Miami bajo producción de Tom Dowd. La canción principal, «Layla», se inspira en el poema persa La historia de Layla y Majnun, de Nizami Ganjavi, que Ian Dallas le había regalado: la historia de un joven enamorado de una mujer inaccesible y casada.[14]

Durante las sesiones se sumó el guitarrista Duane Allman, de The Allman Brothers Band, cuya guitarra slide enriqueció el sonido del elefante bluesero del disco. Allman trabajó primero en «Tell the Truth» y «Nobody Knows You When You're Down and Out»; en cuatro días, el quinteto grabó «Key to the Highway», «Have You Ever Loved a Woman» y «Why Does Love Got to be So Sad». En septiembre, Allman dejó temporalmente las sesiones para cumplir compromisos con su banda, y los cuatro integrantes restantes grabaron «I Am Yours», «Anyday» y «It’s Too Late». Poco después se registraron la versión de «Little Wing», de Jimi Hendrix, y «Thorn Tree in the Garden».[15]

El álbum recibió críticas tibias en el momento de su lanzamiento, aunque con el tiempo fue reevaluado como una de las cumbres del rock clásico. La gira estadounidense sin Allman se desarrolló, según el propio Clapton, «en medio de una ventisca de drogas y alcohol», pero dejó el álbum en vivo In Concert. La banda intentó un segundo disco de estudio en la primavera de 1971, que quedó inconcluso; cinco de esos temas se incluyeron en la caja recopilatoria Crossroads de 1988.

La historia de Derek and the Dominos está atravesada por la tragedia: Duane Allman murió en un accidente de motocicleta el 29 de octubre de 1971; Clapton lo describió como «el hermano musical que nunca tuve y que hubiera querido tener». Poco antes, el 17 de septiembre de 1970, Clapton había comprado una Fender Stratocaster zurda para regalársela a Hendrix por su cumpleaños, pero Hendrix murió al día siguiente. El baterista Jim Gordon, que padecía esquizofrenia sin diagnosticar, asesinó años más tarde a su madre durante un brote psicótico y permaneció recluido en una institución mental hasta su muerte el 13 de marzo de 2023.[16] Carl Radle falleció en mayo de 1980 por efectos del alcohol y las drogas. Clapton y Whitlock no volvieron a trabajar juntos hasta 2003.

3.7. Crisis personal y regreso (1971–1977)[editar]

Los primeros años setenta contrastaron el éxito profesional con un profundo deterioro personal. Clapton se recluyó en su residencia de Surrey, adicto a la heroína y alejado de las giras. Solo apareció en escena en agosto de 1971 para el Concierto por Bangladesh organizado por George Harrison, donde se desmayó, fue reanimado y terminó su actuación. En enero de 1973, Pete Townshend, guitarrista de The Who, organizó un concierto en el Rainbow Theatre de Londres —conocido como el Rainbow Concert— para ayudarlo a retomar su carrera; participaron Ron Wood y Steve Winwood, y la grabación se publicó como Eric Clapton’s Rainbow Concert. Clapton dejó la heroína en 1973 con ayuda de un tratamiento de acupuntura y, en 1975, devolvió el favor a Townshend interpretando a un personaje en la película Tommy de Ken Russell, basada en la ópera rock de The Who.

En 1974, ya en pareja con Pattie Boyd, aunque no se casaría con ella hasta 1979, Clapton reunió una banda estable con Carl Radle, el guitarrista George Terry, el tecladista Dick Sims, el baterista Jamie Oldaker y las vocalistas Yvonne Elliman y Marcy Levy. Con esta formación grabó 461 Ocean Boulevard (1974), producido por Tom Dowd. El disco apostó por canciones más compactas y menos solos de guitarra, y su versión de «I Shot the Sheriff», de Bob Marley, se convirtió en el primer número uno estadounidense de Clapton. El sencillo ayudó a difundir el reggae entre el gran público.[17]

Siguieron There’s One in Every Crowd (1975), el directo E. C. Was Here (1975) y No Reason to Cry (1976), grabado con colaboraciones de Bob Dylan y The Band. En noviembre de 1977 se publicó Slowhand, uno de los álbumes mejor recibidos de su carrera, con «Wonderful Tonight», dedicada a Pattie Boyd, y la versión de «Cocaine» de J. J. Cale. Backless (1978), en cambio, obtuvo una recepción más dispar y fue el último trabajo con la banda que lo acompañaba desde 1974.

La década estuvo marcada también por el incidente político más controvertido de su carrera. El 5 de agosto de 1976, durante un concierto en Birmingham, Clapton apoyó públicamente al político conservador Enoch Powell y pronunció comentarios contrarios a la inmigración, en un contexto de creciente tensión racial en el Reino Unido. Las declaraciones, recogidas por testigos presenciales aunque sin una grabación completa que fije las palabras exactas, provocaron un amplio rechazo y contribuyeron a la creación del colectivo Rock Against Racism. Clapton reconoció posteriormente su error y se disculpó.[18]

3.8. Década de 1980: rehabilitación y éxito masivo[editar]

A comienzos de los años ochenta, Clapton enfrentó una severa adicción al alcohol. En 1981 participó en el concierto benéfico de Amnistía Internacional The Secret Policeman’s Other Ball en Londres, donde tocó a dúo con Jeff Beck; las tres canciones que interpretaron aparecieron en el álbum del evento. Ese año publicó Another Ticket, un disco de gestación difícil: la discográfica Polydor rechazó la primera versión producida por Glyn Johns y obligó a regrabarla con Tom Dowd. Durante la gira, Clapton sufrió un colapso que lo puso al borde de la muerte.

En enero de 1982 ingresó en el centro de tratamiento Hazelden, en Center City, Minnesota. En su autobiografía relató que bebió de más durante el vuelo «por miedo a no poder volver a beber jamás» y que en los peores momentos la única razón para no suicidarse era saber que, si estaba muerto, no podría seguir bebiendo. Tras la rehabilitación, se mantuvo sobrio; en noviembre de 1987 regresó brevemente a Hazelden como refuerzo del tratamiento. Su primer álbum posterior a la recuperación, Money and Cigarettes (1983), tomó el nombre de lo que Clapton pensaba que sería lo único que le quedaría tras dejar el alcohol.

La segunda mitad de la década consolidó su regreso comercial. Clapton participó en el álbum The Pros and Cons of Hitch Hiking de Roger Waters y en su gira de promoción en 1984; la colaboración entre ambos se prolongó en años posteriores con conciertos benéficos. En 1985 actuó en el Live Aid de Filadelfia, y produjo junto a Phil Collins dos álbumes de estudio: Behind the Sun (1985), que incluyó los éxitos «Forever Man» y «She’s Waiting», y August (1986), el mayor éxito británico de Clapton hasta entonces, con el tema «It’s in the Way That You Use It» para la película The Color of Money y el dueto «Tearing Us Apart» con Tina Turner.

En 1987 recibió el Brit Award a la Contribución Destacada a la Música y tocó la guitarra en el álbum Cloud Nine de George Harrison. Al año siguiente se publicó la caja recopilatoria Crossroads, un repaso de cuatro discos a toda su trayectoria desde The Yardbirds. En 1989 se lanzó Journeyman, un álbum ecléctico que mezcló blues, pop, soul y jazz, con colaboradores como Harrison, Phil Collins, Daryl Hall, Chaka Khan, Mick Jones, David Sanborn y Robert Cray. Clapton lo considera uno de sus trabajos favoritos, pese a las críticas no del todo entusiastas.

3.9. Década de 1990: tragedia y consagración[editar]

La década de 1990 empezó con dos pérdidas devastadoras. El 27 de agosto de 1990, Stevie Ray Vaughan, con quien Clapton estaba de gira, murió en un accidente de helicóptero junto a dos integrantes del equipo de producción. El 20 de marzo de 1991, Conor, hijo de Clapton y la modelo italiana Lory Del Santo, murió a los cuatro años al caer por una ventana abierta desde el piso 53 de un edificio de apartamentos en Manhattan, Nueva York. La canción «Tears in Heaven», coescrita con Will Jennings, expresó ese duelo: apareció primero en la banda sonora de la película Rush y luego en versión acústica dentro del álbum Unplugged (1992), grabado para la serie MTV Unplugged. El disco fue un fenómeno comercial y de crítica: recibió seis premios Grammy, incluidos los de álbum del año y mejor canción de rock.

[ Desplegar / Plegar — Premios Grammy destacados de Eric Clapton ]
  • 1992 — Álbum del año por Unplugged (uno de los seis Grammys obtenidos por ese trabajo).
  • 1995 — Mejor álbum de blues tradicional por From the Cradle.
  • 1997 / 1997 — Grabación del año y mejor interpretación vocal pop masculina por «Change the World», entre otras categorías.
  • 2001 — Mejor álbum de blues tradicional por Riding with the King (en colaboración con B. B. King).

En septiembre de 1994, Clapton publicó From the Cradle, su primer álbum íntegramente de blues, compuesto por versiones de temas clásicos del género. Ganó el Grammy al mejor álbum de blues tradicional y vendió más de tres millones de copias en Estados Unidos, convirtiéndose en uno de los discos de blues más vendidos de la historia. En 1996 obtuvo otro éxito internacional con «Change the World», de la película Phenomenon; la canción le reportó una nueva serie de Grammys. Ese mismo año se publicó Crossroads 2: Live in the Seventies, que recogía actuaciones grabadas entre 1974 y 1978.

En 1998, Clapton lanzó Pilgrim, su primer álbum de material completamente nuevo en más de una década, con participación del productor Simon Climie y críticas dispares. En 1999 se editaron Blues, un doble disco con material de los años setenta, y el recopilatorio Clapton Chronicles: The Best of Eric Clapton. La década terminó con Riding with the King (2000), un dúo con B. B. King que ganó el Grammy al mejor álbum de blues tradicional.

3.10. Década de 2000: homenajes y reuniones[editar]

En 2001 se publicó Reptile, bien recibido por la crítica, y en 2002 Clapton participó en la fiesta Party at the Palace, celebrada en Londres por el jubileo de oro de la reina Isabel II, junto a Paul McCartney, Bryan Adams, Annie Lennox, Ozzy Osbourne y una larga lista de artistas. El 29 de noviembre de ese año fue el director musical del Concert for George, homenaje a George Harrison, fallecido en 2001.

En marzo de 2004, Clapton publicó Me and Mr. Johnson, un tributo a Robert Johnson con catorce versiones del repertorio del bluesman del Misisipi, y en el mismo año lanzó Sessions for Robert J, un proyecto complementario que incluyó un documental. En mayo de 2005 se produjo la reunión de Cream en el Royal Albert Hall de Londres y el Madison Square Garden de Nueva York; la grabación londinense se publicó a finales de ese año. En agosto de 2005, Clapton lanzó Back Home, su primer álbum de canciones nuevas en varios años.

La segunda mitad de la década lo mostró como un artista que alternaba proyectos propios con homenajes y colaboraciones. En 2006 publicó The Road to Escondido, un álbum conjunto con J. J. Cale, y en 2007 lanzó el recopilatorio Complete Clapton. En 2009 apareció un registro en CD y DVD de tres conciertos con Steve Winwood en el Madison Square Garden. Durante 2009 y 2010, Clapton realizó giras con Jeff Beck, una serie de conciertos con Winwood y fechas en las que Roger Daltrey abrió los espectáculos.

3.11. 2010–2025: giras espaciadas y últimas grabaciones[editar]

En 2010, Clapton y Jeff Beck ofrecieron una gira conjunta que pasó por el O2 Arena de Londres, el Madison Square Garden de Nueva York, el Air Canada Centre de Toronto y el Bell Centre de Montreal. Ese mismo año se publicó Clapton, un nuevo álbum de estudio. El 28 de febrero de 2013 anunció su intención de abandonar las giras en 2015 por el desgaste de los viajes, y en 2014 confirmó que la carretera se había vuelto «insoportable». A pesar de esos planes, no dejó de presentarse por completo: siguió ofreciendo conciertos espaciados y residencias puntuales.

En enero de 2013, el sello Surfdog Records anunció la publicación de Old Sock, que salió el 12 de marzo. En 2014, Clapton publicó The Breeze: An Appreciation of JJ Cale, un tributo a su amigo y compositor fallecido J. J. Cale, con colaboraciones de Mark Knopfler, John Mayer, Willie Nelson, Tom Petty, Derek Trucks y otros. Con motivo de su 70.º cumpleaños, en mayo de 2015 programó dos conciertos en el Madison Square Garden y una residencia de siete noches en el Royal Albert Hall.

Desde 1999, Clapton organiza cada cierto tiempo el Crossroads Guitar Festival, un evento benéfico que reúne a guitarristas de diferentes generaciones y estilos. Su más reciente álbum de estudio, Meanwhile, se publicó en 2024; a agosto de 2026, Clapton continúa activo como intérprete, aunque con una agenda de conciertos más espaciada que en décadas anteriores.[19]

4. Estilo y características[editar]

El estilo de Clapton se ha descrito como una síntesis de la tradición del blues de Chicago y del blues británico. Sus primeras influencias declaradas fueron guitarristas estadounidenses como Buddy Guy, Freddie King y B. B. King, cuyo vocabulario de fraseos, curvas de nota y economías expresivas Clapton incorporó al contexto del rock británico. A diferencia de otros guitarristas de su generación, Clapton se distinguió por la claridad tonal, el control del vibrato y una ejecución que privilegia la expresividad sobre la velocidad.

En Cream, participó en la redefinición del formato de power trío: la guitarra pasó a ocupar un primer plano instrumental, con largas improvisaciones de base jazzística y diálogos con el bajo y la batería. En esa etapa, su Gibson SG «The Fool» y luego la Gibson Les Paul Standard se convirtieron en parte de la iconografía de la psicodelia británica.[20]

A lo largo de su carrera en solitario, Clapton ha transitado géneros diversos: el blues del Delta en Me and Mr. Johnson, el soft rock de «Change the World», el reggae de «I Shot the Sheriff», el country y el folk en Slowhand, el pop rock de los discos producidos con Phil Collins, y el blues tradicional de From the Cradle y Riding with the King. El guitarrista ha dicho que el descubrimiento de The Band y su primer disco, Music from Big Pink, lo convenció de devolver el protagonismo a la canción por encima del lucimiento instrumental: «La prioridad era la canción».[21]

5. Palmarés y récords[editar]

Clapton ha ganado 18 premios Grammy según los recuentos más citados de la industria,[sin verificar] una cifra que lo sitúa entre los artistas más premiados de la historia del premio. Entre sus victorias destacadas figuran los seis Grammys obtenidos por Unplugged en 1993, el Grammy al mejor álbum de blues tradicional por From the Cradle en 1995, los galardones por «Change the World» en 1997, y el Grammy al mejor álbum de blues tradicional por Riding with the King en 2001. La lista completa de premios y nominaciones se mantiene como una de las más extensas dentro del rock británico.

Además de los Grammy, Clapton ha recibido:

[ Desplegar / Plegar — Reconocimientos y distinciones ]
  • 18 premios Grammy (según recuentos de la industria)[sin verificar]
  • Brit Award a la Contribución Destacada a la Música (1987)
  • Cuatro premios Ivor Novello, incluido el de trayectoria
  • Comendador de la Orden del Imperio Británico (CBE), 2004
  • Salón de la Fama del Rock and Roll — triple ingresado: con The Yardbirds (1992), con Cream (1993) y como solista (2000)
  • Segundo lugar en la lista de los 100 mejores guitarristas de la historia según Rolling Stone
  • Cuarto lugar en la lista de los 50 mejores guitarristas según Gibson
  • Quinto lugar en la lista de los 10 mejores guitarristas eléctricos según Time (2009)

En 2005, la revista Guitar World incluyó cinco de sus canciones entre los mejores solos de guitarra de todos los tiempos. En 1998 fundó el Crossroads Centre en la isla de Antigua, un centro de tratamiento para personas que se recuperan del abuso de sustancias; la causa es una de las más estrechamente vinculadas a su vida pública desde entonces.[22]

6. Vida pública y legado[editar]

La figura de Clapton ha tenido una proyección pública compleja. Por un lado, se lo celebra como el primer gran héroe de la guitarra del rock: la frase «Clapton is God» condensó una adoración que precedió y en parte anunció el culto a los guitarristas virtuosos de las décadas siguientes. Su paso por The Yardbirds, John Mayall & the Bluesbreakers, Cream, Blind Faith y Derek and the Dominos lo convirtió en pieza clave del canon del blues rock británico y en modelo para guitarristas de todo el mundo. Aun así, su trayectoria no ha estado exenta de señalamientos públicos, documentados en fuentes periodísticas y en su propia autobiografía. En una entrevista de 1999 con The Sunday Times, Clapton admitió haber ejercido violencia doméstica contra su primera esposa, Pattie Boyd, durante su matrimonio, y describió su conducta de entonces en el marco de un alcoholismo severo.[23] El hecho está registrado como parte del historial público del músico y ha sido abordado por biógrafos posteriores.

La muerte de Conor y la composición de «Tears in Heaven» afinaron la figura pública de Clapton: el tema se convirtió en uno de los éxitos más populares y emocionalmente directos de su catálogo, y su interpretación en Unplugged consolidó la imagen de un sobreviviente. Desde los años noventa, Clapton combina la actividad musical con el trabajo filantrópico, en particular a través del Crossroads Centre de Antigua, y con la organización del periódico Crossroads Guitar Festival, cuyos conciertos han reunido fondos para el centro y para programas de tratamiento de adicciones.

7. Presencia en el mundo hispanohablante[editar]

Clapton ha tenido una relación constante con los públicos de habla hispana desde los años sesenta, primero como figura de importación y luego como artista habitual de giras internacionales. Sus discos circularon ampliamente en América Latina y España a partir de la década de 1970, y canciones como «Layla», «Wonderful Tonight», «Cocaine», «Tears in Heaven» y «Change the World» han formado parte de la programación de radio hispanoamericana durante generaciones.

El guitarrista actuó en Barcelona en 1974, en una etapa documentada por fotografías de la época; esa visita, sin embargo, no constituye una gira extensa por países de habla hispana. No consta una presencia regular de Clapton en escenarios latinoamericanos durante las décadas de 1970 y 1980; su vínculo con la región fue sobre todo discográfico y formativo: su influencia se dejó sentir en el desarrollo de escenas de rock y blues de México, Argentina, Chile y Colombia, entre otras.

En la era del streaming, Clapton mantiene una presencia estable en plataformas utilizadas por oyentes hispanohablantes; su música forma parte de catálogos globales de Warner, Polydor y sucesores editoriales. A agosto de 2026 no consta una gira reciente por América Latina, por lo que la conexión actual con el público de la región se concentra en la circulación digital de su catálogo y en la influencia sostenida entre guitarristas y aficionados.

  1. La cifra de 100 millones de discos vendidos como solista proviene de reportes periodísticos de 2019; algunos recuentos totales —que suman todas las etapas de su carrera— arrojan números superiores. El dato debe leerse como una estimación de la industria, no como un número exacto auditado. ↩︎

  2. La cifra de 18 premios Grammy corresponde al recuento de la industria y de medios especializados; también hay menciones de 18 estatuillas en total. Algunos recuentos previos hablaron de 17, dependiendo de si se incluyen categorías compartidas o premios especiales. La cifra exacta debe cotejarse con la base de datos oficial de los Grammy. ↩︎

  3. Algunas biografías indican que Edward Walter Fryer, el padre, era un aviador militar canadiense destinado en el Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial; otros textos lo describen simplemente como soldado. La fecha exacta de su regreso a Canadá no está establecida con total claridad en las fuentes disponibles. ↩︎

  4. La semejanza entre los apellidos Clapp y Clapton ha alimentado la errónea idea de que el apellido real del músico es Clapp. En realidad, Reginald Cecil Clapton fue el primer esposo de Rose y abuelo materno de Eric; el apellido se mantuvo por línea materna. ↩︎

  5. En su autobiografía, Clapton describe el descubrimiento de su origen como una revelación que lo llevó a retraerse y a desinteresarse por la escuela. El episodio es citado por biógrafos como clave para entender su carácter solitario y su apego a la música. ↩︎

  6. La anécdota de la grabadora Grundig aparece en la autobiografía de Clapton y en el perfil biográfico elaborado por la revista Guitar Player; es un testimonio del método de práctica obsesivo que lo caracterizó de joven. ↩︎

  7. La etapa de Clapton con Casey Jones and the Engineers se reduce a siete conciertos en octubre de 1963, según el sitio Where's Eric, dedicado a la trayectoria del músico. ↩︎

  8. El origen del apodo ha sido contado de varias maneras. La versión más difundida lo atribuye a Giorgio Gomelsky, quien habría hecho un juego de palabras con el aplauso lento —slow handclap— que el público hacía cuando Clapton se detenía a cambiar una cuerda rota en pleno concierto. ↩︎

  9. El apodo The Beano Album deriva del cómic británico The Beano, que Clapton lee en la portada del disco Blues Breakers with Eric Clapton, de 1966. ↩︎

  10. La frase «Clapton is God» apareció pintada en una pared de Islington en 1967. La conocida fotografía que la documenta muestra a un perro orinando sobre la pared, lo que convirtió la imagen en un comentario visual casi inevitable sobre el endiosamiento del guitarrista. ↩︎

  11. Hendrix vio a Cream en el Central London Polytechnic el 1 de octubre de 1966 y se subió a interpretar una versión acelerada de «Killing Floor», de Howlin’ Wolf. El impacto del nuevo sonido de Hendrix en la escena londinense fue inmediato y reorientó la etapa siguiente de Clapton. ↩︎

  12. Junto a Yoko Ono —y años después Billy Preston—, Clapton figura entre los músicos ajenos al cuarteto que participaron en grabaciones oficiales de The Beatles. Su contribución más conocida es el solo de guitarra de «While My Guitar Gently Weeps», en el denominado Álbum Blanco. ↩︎

  13. La visita número 200 de Clapton al Royal Albert Hall se reportó en mayo de 2015; el propio músico comentó que tocar en el recinto es «como tocar en la sala de mi casa». ↩︎

  14. La leyenda persa de Layla y Majnun fue acercada a Clapton por el escritor Ian Dallas. El tema le impresionó porque narraba la historia de un joven enamorado de una mujer inaccesible y casada, situación análoga a su enamoramiento por Pattie Boyd, entonces esposa de George Harrison. ↩︎

  15. Existen discrepancias menores entre cronologías de las sesiones de Layla sobre qué temas se grabaron exactamente con Duane Allman presente; la secuencia más citada es la que se resume aquí. El solo final de «Layla» fue interpretado al piano por Jim Gordon, cuya autoría de la melodía fue luego disputada en testimonios posteriores. ↩︎

  16. Jim Gordon padecía esquizofrenia sin diagnosticar; en 1983 asesinó a su madre y fue sentenciado a prisión, aunque luego fue trasladado a una institución psiquiátrica, donde permaneció hasta su muerte en 2023. ↩︎

  17. La versión de «I Shot the Sheriff» fue el primer sencillo de Clapton en alcanzar el número 1 en Estados Unidos y contribuyó de modo decisivo a la difusión masiva del reggae fuera de Jamaica. ↩︎

  18. Las declaraciones de Birmingham no quedaron registradas en su totalidad; los reportes de testigos presenciales difieren sobre las palabras exactas. Clapton se disculpó años después y calificó sus comentarios de entonces como un profundo error. El episodio impulsó la creación de Rock Against Racism. ↩︎

  19. La primera edición del Crossroads Guitar Festival se celebró en 1999; ediciones posteriores se llevaron a cabo en 2004, 2007, 2010, 2013 y 2019. Las utilidades se destinan al Crossroads Centre. ↩︎

  20. La guitarra «The Fool» debe su nombre al colectivo artístico holandés The Fool, que la pintó a mano. Debutó en el RKO Theater de Nueva York en 1967 y se usó en buena parte de las grabaciones de Disraeli Gears; hoy es una de las guitarras más identificables de la era psicodélica. ↩︎

  21. La declaración de Clapton sobre The Band y la devolución de protagonismo a la canción fue recogida por la revista Guitar Player en una entrevista de junio de 2001; el contexto era la grabación de Reptile y su distanciamiento de los solos exhibicionistas. ↩︎

  22. El Crossroads Centre fue fundado por Clapton en 1998 en Antigua, tras su propia recuperación del alcoholismo. El centro, dedicado al tratamiento de adicciones, se vincula desde entonces con los beneficios del Crossroads Guitar Festival. ↩︎

  23. Las declaraciones de Clapton sobre conductas violentas contra Pattie Boyd fueron publicadas por Associated Press en 1999, a partir de una entrevista con The Sunday Times. El testimonio de Boyd aparece asimismo en su propio libro de memorias. ↩︎