Música
| Tipo | Arte, disciplina artística |
|---|---|
| Origen | Prehistoria; primeras evidencias en instrumentos de hueso del Paleolítico |
| Elementos básicos | Melodía, armonía, ritmo, timbre, intensidad, duración, altura |
| Primera obra escrita conservada | Himno hurrita a Nikkal, c. 1400 a. C. |
| Principales períodos | Prehistoria, Antigüedad, Edad Media, Renacimiento, Barroco, Clasicismo, Romanticismo, siglos XX–XXI |
| Géneros destacados actuales | Rock, pop, jazz, blues, electrónica, rap, salsa, cumbia, reguetón, entre otros |
1. Resumen[editar]
La música (del griego μουσική [τέχνη], mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es, en su definición tradicional, el arte de combinar sonidos y silencios en el tiempo para producir melodías, ritmos y armonías. Se la considera una manifestación cultural universal, presente en todas las sociedades humanas conocidas, con funciones que van desde la expresión estética y emocional hasta la comunicación, la ceremonia religiosa, la cohesión social y la terapia.
Hoy en día la música puede producirse con una amplia variedad de instrumentos —de percusión, cuerda, viento, electrónicos— y con la voz. Su estudio como disciplina académica se denomina teoría musical y se imparte en conservatorios junto con notación, solfeo y lectura de partituras. A lo largo de la historia, la música ha acompañado la guerra, la adoración religiosa, el entretenimiento y la crítica social. En la música contemporánea predominan géneros como el rock, el jazz, el pop, la música electrónica, la salsa, la cumbia y el reguetón.
La definición exacta de qué es y qué no es música ha sido debatida. Compositores del siglo XX y XXI han expandido los límites del arte sonoro, y el concepto occidental evolucionó desde la Antigua Grecia, donde poesía, música y danza se concebían como una unidad artística. La música también cumple funciones en el desarrollo cognitivo humano, relacionadas con el pensamiento lógico-matemático, el lenguaje, la psicomotricidad y la inteligencia emocional.[1]
2. Definición[editar]
Las definiciones de música parten del seno de las culturas, por lo que el sentido de las expresiones musicales se ve afectado por factores psicológicos, sociales, culturales e históricos. No existe una definición perfecta o absoluta. Una formulación amplia sostiene que música es sonoridad organizada; Edgar Varèse la describió como «sonido organizado», y el etnomusicólogo John Blacking añadió el matiz «sonido organizado humanamente».[2]
Otra definición común en manuales educativos es «el arte de combinar bien los sonidos en el tiempo». El filósofo Jean-Jacques Rousseau, en su Dictionnaire de la Musique (1768), la definió como «el arte de combinar los sonidos de una manera agradable al oído». El compositor Claude Debussy, en cambio, la concibió como «un total de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que incluye el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».
En la actualidad suele trabajarse con un concepto basado en tres atributos: que utiliza sonidos, que es un producto humano y que predomina la función estética. Sin embargo, el tercer elemento es discutible: un jingle publicitario no deja de ser música por perseguir un objetivo comercial.
3. Etimología[editar]
La palabra «música» proviene del griego μουσική (mousikē), «(arte) de las musas», pasando por el latín musica y el francés antiguo musique. En la mitología griega, las nueve musas eran las diosas que inspiraban la literatura, la ciencia y las artes, y constituían la fuente del conocimiento plasmado en la poesía, los cantos y los mitos de la cultura griega.
La ortografía moderna en español data aproximadamente del siglo XVII, por influencia del francés e italiano. En la Grecia clásica, el término «música» se refería a cualquier arte presidido por las musas, en especial la música y la poesía lírica.
4. Parámetros del sonido[editar]
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Generalmente se transmite por el aire. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque el silencio absoluto no existe en la naturaleza.
Los cuatro parámetros fundamentales del sonido son:
- Altura: resultado de la frecuencia de vibración, medida en hercios (Hz). Los sonidos de mayor frecuencia se perciben como agudos; los de menor frecuencia, como graves.
- Duración: tiempo durante el cual se mantienen las vibraciones. Se relaciona directamente con el ritmo.
- Intensidad: fuerza con la que se produce el sonido, asociada a la energía y representada en una onda por su amplitud. Determina si un sonido es fuerte o suave.
- Timbre: cualidad que permite distinguir distintos instrumentos o voces aunque produzcan sonidos de igual altura, duración e intensidad. Los sonidos reales son complejos: combinan un sonido fundamental con armónicos. El timbre depende del espectro de armónicos y de la intensidad relativa de cada uno.
5. Elementos de la música[editar]
La música contiene dos componentes que se combinan en una imagen unitaria: el material acústico y la idea intelectual. Para convertirse en vehículo de la idea, el material sonoro pasa por un proceso de selección y ordenamiento. La clasificación más habitual en ámbitos académicos divide la música en:
- Melodía: conjunto de sonidos que suenan sucesivamente, uno tras otro (concepción horizontal), y que se percibe con identidad propia. Los silencios forman parte de la estructura melódica. Cuando dos o más melodías suenan simultáneamente se habla de contrapunto.
- Armonía: regula la concordancia entre sonidos que suenan a la vez (concepción vertical). Su unidad básica es el acorde o tríada.
- Ritmo: la capacidad de generar contraste mediante dinámicas, timbres, texturas y sonidos; en la práctica se refiere a la acentuación y a la duración de los sonidos.
- Articulación: la forma en que se ejecuta un sonido y la transición entre notas. Incluye legato, staccato, portato, tenuto, acento, marcato y calderón.
- Textura: la estructura general dividida en partes, movimientos o secciones, que a su vez pueden fraccionarse en frases y motivos.
A partir del siglo XX, con la ampliación del material acústico, se incorporaron otros elementos de análisis como la forma, la instrumentación y la textura, y surgieron nuevos principios de ordenamiento compositivo.
6. Historia[editar]
La historia de la música abarca desde la prehistoria hasta la actualidad. Se divide en grandes períodos: Edad Media (con el canto gregoriano), Renacimiento, Barroco, Clasicismo, Romanticismo y siglos XX y XXI, cuando se diversificaron géneros como el jazz, el rock, el pop y la música electrónica.
6.1 Prehistoria[editar]
La música prehistórica solo puede teorizarse a partir de hallazgos arqueológicos paleolíticos. Se han descubierto flautas talladas en hueso con orificios laterales, como la flauta de Divje Babe, en Eslovenia, fabricada en el fémur de un oso de las cavernas y datada en al menos 40.000 años. En yacimientos de la civilización del valle del Indo se recuperaron instrumentos de cuerda y tambores, incluida una flauta de siete agujeros y el ravanahatha.
La India posee una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo; referencias a la música clásica india (marga) aparecen en los Vedas. La colección más antigua y extensa de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en China y data de entre 7000 y 6600 a. C. La obra musical escrita más antigua que se conserva es el Himno hurrita a Nikkal, en tablillas de arcilla de aproximadamente 1400 a. C.[3]
6.2 Antiguo Egipto[editar]
Los antiguos egipcios atribuyeron a Thoth la invención de la música y a Osiris su uso para civilizar el mundo. La evidencia material más antigua data del período predinástico, pero la atestiguación más segura corresponde al Imperio Antiguo, cuando se tocaban arpas, flautas y clarinetes dobles. En el Imperio Medio se añadieron instrumentos de percusión, liras y laúdes a las orquestas. Los platillos acompañaban con frecuencia a la música y la danza, práctica que persiste en Egipto.
La música folclórica egipcia contemporánea, incluidos los rituales sufíes dhikr, es el género más cercano a la música del antiguo Egipto y conserva muchas de sus características, ritmos e instrumentos.
6.3 Culturas asiáticas[editar]
La música clásica india es una de las tradiciones musicales más antiguas del mundo. La civilización del valle del Indo dejó esculturas que muestran danzas e instrumentos como la flauta de siete agujeros. El Rigveda contiene elementos de la música india actual, con notación para la métrica y el modo de canto. La música clásica india es monofónica y se basa en una línea melódica (raga) organizada rítmicamente mediante talas. El Silappatikaram de Ilango Adigal describe cómo formar nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica. La música carnática del sur de la India es en gran parte devocional, dirigida a deidades hindúes.
La música clásica china, arte tradicional o de corte, tiene una historia que se remonta a unos tres mil años. Posee sistemas propios de notación, afinación e instrumentos. Es pentatónica-diatónica, con una escala de doce notas por octava (5 + 7 = 12), similar a la de influencia europea.
6.4 Referencias en la Biblia[editar]
El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias literarias en la Biblia y fuentes posbíblicas. Herbert Lockyer escribió que la música, vocal e instrumental, fue bien cultivada entre los hebreos y la iglesia cristiana. El Génesis 4:21 presenta a Jubal como «padre de todos los que manejan el arpa y la flauta». En I Samuel 10 se describen «grandes coros y orquestas»; algunos estudiosos creen que el profeta Samuel dirigió una escuela pública de música. La letanía, como forma de oración con invocaciones, estuvo acompañada de una rica tradición musical hebrea.
6.5 Antigua Grecia[editar]
La música era parte esencial de la vida social y cultural de la Antigua Grecia. Músicos y cantantes desempeñaban un papel destacado en el teatro griego. Se realizaban coros mixtos para entretenimiento, celebraciones y ceremonias espirituales. Los instrumentos principales eran el aulós (de doble lengüeta) y la lira, especialmente la kithara.
La música se enseñaba a los niños desde los seis años. La teoría musical griega incluía los modos musicales griegos, que luego se convirtieron en base de la música clásica y religiosa occidental. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo conservado de una composición musical completa con notación musical. La obra escrita más antigua sobre teoría musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno.[4]
6.6 Antigua Roma[editar]
La música de la Antigua Roma formó parte de la cultura romana desde los tiempos más remotos. Las canciones (carmen) eran parte integral de casi todos los eventos sociales. Bajo la influencia de la teoría griega, se pensaba que la música reflejaba el orden del cosmos y se asociaba con las matemáticas y el conocimiento.
La música etrusca influyó tempranamente en la cultura romana. Durante el período imperial, los romanos llevaron su música a las provincias, y tradiciones de Asia Menor, África del Norte y la Galia se incorporaron a la cultura romana. La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la pantomima (pantomimus), una forma temprana de ballet narrativo que combinaba danza expresiva, música instrumental y un libreto cantado.
6.7 Edad Media[editar]
La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del canto monofónico (una sola línea melódica) en los servicios de la Iglesia católica. La notación musical se usó desde la Antigüedad griega, pero en la Edad Media fue sistematizada por la Iglesia para que las melodías de los cánticos pudieran escribirse y reproducirse en todo el mundo católico.
El único repertorio medieval europeo escrito antes del año 800 es el canto llano litúrgico monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se conoce como canto gregoriano. Junto a esta tradición sacra existía una vibrante tradición de canto secular. Compositores de este período fueron Léonin, Perotín, Guillaume de Machaut y Walther von der Vogelweide.
6.8 Renacimiento[editar]
La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares, como el amor cortés. Hacia 1450 la invención de la imprenta abarató la producción de partituras, lo que difundió los estilos musicales con mayor rapidez y en un área más amplia. Músicos y cantantes trabajaban para la iglesia, las cortes y las ciudades; los coros crecieron y la Iglesia siguió siendo un mecenas importante.
A mediados del siglo XV, los compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, con distintas líneas melódicas entrelazadas. Destacan Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victoria, Thomas Morley y Orlando di Lasso. Muchos compositores importantes provinieron de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia; ocuparon cargos en toda Europa, especialmente en Italia. España, Alemania e Inglaterra también tuvieron gran actividad musical.
6.9 Barroco[editar]
La era barroca de la música (1600–1750) coincidió con el florecimiento del estilo artístico barroco en Europa. La música barroca comenzó con las primeras óperas, es decir, música vocal dramática solista acompañada de orquesta. El contrapunto polifónico siguió siendo importante, y los compositores alemanes escribieron para conjuntos pequeños (cuerdas, metales, maderas), coros e instrumentos de teclado como órgano, clavecín y clavicordio.
En este período se definieron formas musicales importantes que perduraron y evolucionaron: la fuga, la invención, la sonata y el concierto. El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Compositores destacados: Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Jean Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann, Domenico Scarlatti y Antonio Vivaldi.
6.10 Clasicismo[editar]
La música del período clásico (1730 a 1820) buscó imitar los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada de la Antigua Grecia y Roma. Su textura era más ligera y clara que la barroca; el estilo principal fue la homofonía, con una melodía prominente y un acompañamiento de acordes subordinados.
El fortepiano, precursor del piano, reemplazó al clavecín y al órgano como principal instrumento de teclado, aunque el órgano siguió usándose en la música sacra. Se dio importancia a la música instrumental. Se desarrollaron la sonata, el concierto y la sinfonía; también el cuarteto de cuerda, la serenata y el divertimento. Las formas instrumentales principales se basaban en la estructura de sonata. La orquesta se estandarizó y la interpretación de acordes improvisados del bajo continuo desapareció gradualmente entre 1750 y 1800.
Uno de los cambios más importantes fue el desarrollo de los conciertos públicos. Los compositores podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reyes o príncipes, y se construyeron grandes salas. Compositores destacados: Carl Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert se consideran también compositores de transición hacia el Romanticismo.
6.11 Romanticismo[editar]
La música romántica (c. 1810 a 1900) compartió elementos con el romanticismo literario y pictórico: énfasis en la emoción, el individualismo, la glorificación del pasado y la naturaleza. Los compositores ampliaron las formas clásicas hacia piezas más expresivas, dramáticas y largas. Richard Wagner y Johannes Brahms buscaron intensificar la expresión emocional; con los poemas sinfónicos se intentó contar historias o evocar paisajes con música instrumental. Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con música orquestal inspirada en el folclore.
El amor romántico o el anhelo fue tema predominante. Se siguieron usando las estructuras clásicas (forma sonata en cuartetos y sinfonías), pero ampliadas y modificadas; también se crearon formas nuevas. La música de ópera y ballet continuó desarrollándose. Tras 1800, Beethoven y Schubert introdujeron un estilo más dramático; los motivos cortos desarrollados orgánicamente reemplazaron a la melodía como unidad compositiva significativa en Beethoven.[5] Compositores como Chaikovski, Dvořák y Mahler usaron acordes más inusuales y disonancia para crear tensión dramática.
El piano fue el instrumento representativo del período, mejorado técnicamente gracias a la Revolución industrial. Grandes compositores para piano: Mendelssohn, Chopin, Liszt, Schumann, Schubert, Brahms, Edvard Grieg e Isaac Albéniz. Del romanticismo tardío destacan Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.
6.12 Siglos XX y XXI[editar]
En el siglo XIX la difusión musical dependía de la venta de partituras, que se tocaban en pianos y violines de los hogares burgueses. Con la radiodifusión y el disco de gramófono en el siglo XX, las grabaciones sonoras se convirtieron en la principal vía para conocer nuevas canciones y piezas. Cualquier persona con radio o tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y big bands en su sala, lo que democratizó el acceso y difundió estilos musicales de distintas partes del mundo.
La música artística del siglo XX se caracterizó por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Tras la Primera Guerra Mundial, algunos compositores exploraron sonidos más oscuros y ásperos. Ígor Stravinski, Arnold Schönberg y John Cage fueron influyentes. La invención de la grabación sonora y la edición musical dio lugar a nuevos subgéneros de música clásica, como la música acusmática y la música concreta. La grabación multipista fue determinante para el desarrollo del rock, al permitir sobregrabar capas de instrumentos y voces.
El jazz evolucionó a principios de siglo en las comunidades afroamericanas del sur de Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones africanas y europeas. Sus rasgos incluyen notas de blues, improvisación, polirritmos, síncopa y swing. El rock se desarrolló en la década de 1960 a partir del rock and roll de los años cincuenta, el rockabilly, el blues y el country; su sonido suele girar en torno a la guitarra eléctrica o acústica y una sección rítmica fuerte. La música electrónica, por su parte, se consolidó en el siglo XX con sintetizadores y tecnologías digitales, y en el siglo XXI confluyó con géneros bailables y urbanos.
7. Géneros contemporáneos[editar]
La música contemporánea abarca una enorme variedad de géneros, entre ellos el rock, el jazz, el blues, el R&B, el pop, la balada romántica, la música folclórica, la música electrónica, el rap, la salsa, la cumbia y el reguetón. Sus temáticas van desde el amor hasta la crítica social. Fuera del mundo occidental se distinguen otras técnicas e instrumentos: la música árabe usa microtonos, melismas e instrumentos como el ney; la música china utiliza la escala pentatónica e instrumentos como el dizi.
La música popular latinoamericana ha generado géneros propios que cruzan fronteras. La cumbia, nacida en la costa Caribe de Colombia, se expandió por todo el continente y ha adoptado variantes locales. La salsa, de raíz caribeña, se desarrolló especialmente en Nueva York y el Caribe hispano. El reguetón, surgido en Puerto Rico a partir del reggae y el dancehall con influencias del hip-hop, se convirtió en un fenómeno global de habla hispana en las primeras décadas del siglo XXI. El rock en español y las baladas han tenido un papel central en la industria discográfica de México, Argentina, Chile y España.
8. Industria musical y educación[editar]
La industria musical incluye a creadores de canciones y piezas (cantautores, compositores), intérpretes (músicos de orquesta, bandas de jazz y rock, cantantes, directores), productores e ingenieros de sonido, organizadores de giras y vendedores de grabaciones y partituras. La crítica musical, el periodismo musical y la musicología valoran y evalúan las obras y su interpretación.
La música cumple una función importante en el desarrollo cognitivo humano. Está relacionada con el pensamiento lógico-matemático, la adquisición del lenguaje, el desarrollo psicomotriz, las relaciones interpersonales, el aprendizaje de lenguas no nativas y la inteligencia emocional. Muchas culturas la integran en rituales religiosos, ceremonias de paso, actividades sociales y culturales, desde el canto aficionado en karaoke hasta bandas amateur o coros comunitarios. La musicoterapia utiliza la música con fines terapéuticos para mejorar el bienestar físico y emocional.
Cuando la música se emplea solo en contextos religiosos se habla de música sacra, como la música cristiana; se la distingue de la música profana, destinada al entretenimiento u otros fines no religiosos.
9. Presencia en el mundo hispanohablante[editar]
La música en español ha tenido una proyección internacional creciente desde la segunda mitad del siglo XX. El bolero, las baladas, el rock en español, la salsa, la cumbia, el flamenco y, más recientemente, la música urbana y el reguetón han colocado al idioma español en los primeros puestos de la industria musical global. Artistas de América Latina y España han protagonizado giras mundiales y colaboraciones con figuras del pop anglosajón, consolidando una escena transatlántica.
La relación entre la música y la identidad cultural es especialmente intensa en el ámbito hispanoamericano: géneros como el tango, el son, el vallenato, la ranchera, el merengue y la bachata se asocian profundamente con sus países de origen y con sus diásporas. La difusión a través de plataformas digitales ha ampliado el alcance de estas músicas, a la vez que ha generado nuevas fusiones y debates sobre la preservación de las tradiciones.
10. Legado y debates actuales[editar]
El concepto de música en la civilización occidental evolucionó desde la unidad de poesía, música y danza en la Antigua Grecia hasta la diversificación actual. Desde hace varias décadas, la definición de qué es y qué no es música se ha vuelto más compleja, pues compositores del arte sonoro han realizado obras que expanden los límites de la disciplina. La música, como manifestación artística, es un producto cultural con múltiples finalidades: suscitar una experiencia estética, expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas, y cumplir funciones terapéuticas y sociales.
Los debates contemporáneos incluyen la relación entre la música y la inteligencia artificial, la tensión entre la cultura de la grabación y la experiencia en vivo, y la concentración de la industria en plataformas de streaming. A pesar de la transformación de los formatos y los modos de escucha, la música sigue siendo un lenguaje universal y un componente central del modo de vida de las personas.
Distintos estudios sobre estimulación musical en estudiantes de grado medio han señalado beneficios en el desarrollo cognitivo, la coordinación y la inteligencia emocional. ↩︎
La formulación de Varèse suele citarse como «la música es sonido organizado». Blacking la precisó porque el sonido también puede organizarse de maneras no humanas, como el canto de aves. ↩︎
El Himno a Nikkal fue hallado en Ugarit, en la actual Siria, y contiene notación musical cuneiforme junto a un texto religioso. Su interpretación exacta sigue siendo objeto de debate, pero se considera la partitura más antigua conocida. ↩︎
El Epitafio de Sícilo, grabado en una columna funeraria de mármol en Asia Menor, suele datarse entre el siglo I y el II d. C. Incluye texto y signos melódicos. ↩︎
El motivo rítmico inicial de cuatro notas de la Quinta Sinfonía de Beethoven es un ejemplo clásico de motivo breve desarrollado de forma orgánica. ↩︎