Paco de Lucía
| Paco de Lucía | |
|---|---|
| Nombre completo | Francisco Gustavo Sánchez Gómez |
| Nacimiento | 21 de diciembre de 1947, Algeciras, provincia de Cádiz, España |
| Fallecimiento | 25 de febrero de 2014 (66 años), Playa del Carmen, Quintana Roo, México |
| Causa de la muerte | Infarto agudo de miocardio |
| Sepultura | Cementerio Viejo de Algeciras, patio de San José |
| Nacionalidad | Española |
| Ocupación | Guitarrista, compositor y productor |
| Instrumento | Guitarra flamenca |
| Géneros | Flamenco, nuevo flamenco, flamenco-jazz |
| Años en activo | 1959-2014 |
| Guitarras habituales | Conde Hermanos (Madrid), construidas por Mariano y Faustino Conde |
| Formación estable | Sexteto de Paco de Lucía (desde 1981) |
| Premios Grammy Latino | 4 |
| Distinción principal | Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004) |
| Obra más conocida | «Entre dos aguas» (1973) |
1. Resumen[editar]
Paco de Lucía, nombre artístico de Francisco Gustavo Sánchez Gómez, fue un guitarrista y compositor español nacido en Algeciras el 21 de diciembre de 1947 y fallecido en Playa del Carmen (
México) el 25 de febrero de 2014. Es la figura que separa en dos la historia de la guitarra flamenca: antes de él el instrumento tenía un papel definido y limitado, y después de él ese papel quedó ampliado hasta un punto que ningún guitarrista posterior ha podido ignorar.
Su nombre artístico no viene de un apellido ni de un apodo de barrio inventado: era el hijo de Lucía, la madre portuguesa de la familia, y en Algeciras se le conocía como «Paco, el de Lucía». Lo mantuvo toda su vida.
Tres cosas resumen lo que hizo. Primero, sacó la guitarra flamenca del papel de acompañante y la sentó sola en el escenario de una sala de conciertos: su recital de 1975 en el teatro Real de Madrid abrió ese coliseo a la guitarra flamenca en solitario. Segundo, en 1973 grabó «Entre dos aguas», una rumba instrumental que se convirtió en el primer número uno de ventas de un disco de flamenco en 
España y que sacó al género del circuito de aficionados. Y tercero, entre 1969 y 1992 sostuvo con el cantaor Camarón de la Isla una relación de trabajo que produjo la serie de discos que reformuló el cante flamenco del siglo XX.
A partir de finales de los años setenta amplió el terreno en dos direcciones simultáneas: hacia el jazz, con el trío de guitarras que formó junto a John McLaughlin y Al Di Meola, y hacia dentro del propio flamenco, con el Sexteto que fundó en 1981 y que incorporó al lenguaje del género instrumentos que hasta entonces no formaban parte de él —el bajo eléctrico, la flauta travesera, el saxo y, sobre todo, el cajón peruano que descubrió en Lima de manos del percusionista Caitro Soto.
Recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2004 y cuatro premios Grammy Latino, dos de ellos a título póstumo por Canción Andaluza (2014), el primer disco de flamenco que ganó el premio al Álbum del Año. Está enterrado en Algeciras y una estación de la línea 9 del metro de Madrid lleva su nombre.
2. Qué es el flamenco[editar]
Este artículo describe la obra de un músico flamenco, y el flamenco no se explica solo. Esta sección da el vocabulario mínimo necesario para leer el resto.
2.1 Los tres oficios[editar]
El flamenco es una expresión musical originada en Andalucía a partir del siglo XVIII, en la que confluyeron el repertorio popular andaluz, las tradiciones del pueblo gitano español y elementos de las culturas que habían pasado por la península. En 2010 la Unesco lo inscribió en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.
Se practica en tres oficios que en la tradición son distintos y complementarios:
- El cante. La voz. Quien lo ejerce es el cantaor o la cantaora. Es el elemento central del género: históricamente todo lo demás existía para sostener el cante.
- El toque. La guitarra. Quien la ejerce es el tocaor. Su función tradicional era doble: marcar el compás y responder al cantaor en los huecos que este dejaba, con frases melódicas llamadas falsetas.
- El baile. El cuerpo. Quien lo ejerce es el bailaor o la bailaora.
A esos tres se suman las palmas —la percusión que se hace con las manos, y que en flamenco es un oficio en sí mismo, no un acompañamiento improvisado— y el jaleo, las interjecciones de ánimo que se lanzan durante la interpretación.
2.2 Los palos[editar]
El flamenco no es un género único sino una familia de formas llamadas palos. Cada palo se define por su compás, su tonalidad característica, su carácter expresivo y, a menudo, su procedencia geográfica. Los principales grupos son estos:
| Grupo | Palos | Rasgo definitorio |
|---|---|---|
| Compás de doce tiempos | Soleá, seguiriya, bulería, alegrías, cantiñas, guajira, petenera | Ciclo rítmico de doce pulsos con acentos fijos; es la estructura más característica del género |
| Compás binario o cuaternario | Tangos, tientos, tanguillos, rumba, farruca, garrotín, zapateado | Ciclo de cuatro tiempos, más cercano al pulso de la música popular |
| Cantes libres | Malagueña, granaína, taranta, minera, cartagenera, fandango libre | Sin compás medido: el guitarrista sigue a la voz |
| Cantes a palo seco | Toná, martinete, debla, carcelera, saeta | Se cantan sin guitarra |
| Cantes de ida y vuelta | Guajiras, colombianas, milonga, vidalita, rumba flamenca | Formas nacidas del viaje de la música entre Andalucía y América |
Ese último grupo importa para entender a Paco de Lucía: los llamados cantes de ida y vuelta son la prueba de que el flamenco lleva incorporada, desde antes de que existiera, la ruta atlántica entre Andalucía y el continente americano. La guajira toma su nombre y su tonalidad de 
Cuba, la milonga y la vidalita del Río de la Plata, la rumba del Caribe. Cuando Paco de Lucía metió un cajón peruano en su grupo o grabó con músicos brasileños y cubanos, no estaba inventando la mezcla: estaba continuando una que estaba en el origen del repertorio.
2.3 El compás[editar]
El concepto técnico central del flamenco es el compás: el ciclo rítmico sobre el que se construye cada palo. El de la soleá, la bulería y las alegrías tiene doce tiempos, con acentos en unas posiciones fijas del ciclo. No es una métrica de doce que pueda contarse de forma neutra: los acentos caen donde caen, y desplazarse respecto a ellos —ir a contratiempo— es un recurso expresivo, mientras que perderlos es un error grave. Buena parte de la reputación técnica de Paco de Lucía se construyó sobre su precisión rítmica dentro de esos ciclos, no solo sobre su velocidad.
Las técnicas de mano derecha propias del toque flamenco incluyen el picado (notas sueltas ejecutadas con índice y medio alternando), el rasgueado (el barrido de las cuerdas con los dedos abriéndose), la alzapúa (el pulgar usado en dos direcciones, como una púa) y el trémolo.
2.4 Dónde encaja Paco de Lucía[editar]
Paco de Lucía recibió el oficio ya modificado por dos maestros anteriores. Niño Ricardo (Manuel Serrapí, 1904-1972) fue el guitarrista más influyente de su generación en Andalucía y visitaba con frecuencia la casa de los Sánchez en Algeciras. Sabicas (Agustín Castellón, 1912-1990) fue quien dio el paso decisivo de convertir la guitarra flamenca en instrumento de concierto: amplió su técnica y, sobre todo, dejó de escribir sartas de falsetas para componer piezas con estructura melódica, rítmica y armónica coherente de principio a fin, como cualquier obra clásica.
Lo que Paco de Lucía añadió a esa herencia fue, por un lado, un nivel técnico sin precedente en el instrumento, y por otro la decisión de abrir el vocabulario armónico del flamenco a acordes y modulaciones tomados del jazz y de la música clásica, y de ampliar su instrumentación. Esa decisión le costó, durante años, la acusación de los sectores puristas del género de estar diluyendo el flamenco. Es una acusación que el propio artista nunca discutió como si fuera falsa; simplemente siguió trabajando.
3. Infancia y formación en Algeciras (1947-1962)[editar]
3.1 La casa de la calle San Francisco[editar]
Francisco Gustavo Sánchez Gómez nació el 21 de diciembre de 1947 en el número 8 de la calle San Francisco de Algeciras, en el barrio de La Fuentenueva. Fue el menor de cinco hermanos. Su padre, Antonio Sánchez Pecino, era guitarrista aficionado —había aprendido de Manuel Fernández «Titi de Marchena»— y actuaba en tablaos y fiestas locales como «Antonio de Algeciras», al tiempo que vendía fruta en la plaza de abastos de la ciudad y telas de forma ambulante. Su madre, Lucía Gomes Gonçalves, era portuguesa y de ella tomó Paco el nombre con el que se le conoce.
Antonio Sánchez tenía amistades en el ambiente flamenco de la zona —Antonio «el Chaqueta», «Chato» Méndez, Rafael el Tuerto, Antonio Jarrita— y por esa vía puso a sus hijos en contacto con artistas de primera fila. Tres de los cinco acabaron viviendo del flamenco: Ramón, que adoptó el nombre artístico de Ramón de Algeciras, Pepe, que fue cantaor y firmó como Pepe de Lucía, y Francisco. Los otros dos, Carmen y Antonio, estudiaron cante y guitarra pero no se dedicaron a ello.
Cuando Paco cumplió cinco años la familia se trasladó a la calle Barcelona, en el barrio de la Bajadilla. Desde los seis empezó a recibir clases de guitarra de su padre y de su hermano Ramón. La instrucción que recibió fue deliberadamente austera: su padre lo mantuvo alejado del virtuosismo y lo centró en los fundamentos del toque y en el acompañamiento del cante, primero de su hermano Pepe y después de su hermana María.
A los once años dejó la escuela para dedicar más tiempo al instrumento. Su formación se completó con dos influencias externas: las visitas de Niño Ricardo a la casa familiar y, a partir de 1960, la llegada a España de los discos de Sabicas.
3.2 Los Chiquitos de Algeciras y el premio Javier Molina[editar]
Su primera actuación pública documentada fue a finales de 1959, en el cine Terraza de Algeciras, junto a su hermano Pepe. Poco después los dos formaron un conjunto llamado primero Paco y Pepe de Algeciras y después Los Chiquitos de Algeciras. En 1961 grabaron tres elepés con el sello Hispavox.
En 1962 los dos hermanos se presentaron al Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera. Pepe ganó cantando por malagueñas. Paco era demasiado joven para competir en las categorías establecidas, así que el jurado creó para él un premio ex profeso: el premio Javier Molina. Los importes —35 000 pesetas para Pepe y 5 000 para Paco—, sumados al dinero que enviaba el hermano mayor, Ramón, que trabajaba en el conjunto de Juanito Valderrama, permitieron a la familia mudarse a Madrid, a la calle Ilustración.
4. Primeros años profesionales (1963-1972)[editar]
4.1 La gira americana con José Greco y los discos a dos guitarras[editar]
En Madrid, Pepe y Paco empezaron a trabajar en los tablaos de la capital. En 1963 fueron contratados por José Greco, director de una compañía de ballet clásico español, para una gira de nueve meses por Sudamérica. Paco tenía quince años. Fue su primer contacto profesional con el continente americano y no sería el último: la relación con América Latina recorre toda su carrera y se trata por separado en la sección 12 de este artículo.
A la vuelta, los hermanos participaron como guitarristas acompañantes en discos de Fosforito y El Lebrijano, y grabaron un disco como Los Chiquitos de Algeciras en el que versionaban temas populares iberoamericanos.
Entre 1964 y 1971, Paco publicó una serie de discos a dos guitarras, primero con Ricardo Modrego y después con su hermano Ramón de Algeciras. Dos de esos títulos anuncian ya un interés que le acompañaría siempre: Dos guitarras flamencas en América Latina (1967) e Hispanoamérica (1969).
4.2 El encuentro con Camarón de la Isla[editar]
En 1967, tras haber recorrido varios países europeos con el Festival Flamenco Gitano, Paco grabó su primer disco en solitario, La fabulosa guitarra de Paco de Lucía. Ese mismo año ocurrieron otras dos cosas decisivas: entró en contacto con el mundo del jazz de la mano del saxofonista Pedro Iturralde, con quien grabó dos discos titulados Flamenco Jazz, y conoció al cantaor Camarón de la Isla.
José Monje Cruz (San Fernando, Cádiz, 5 de diciembre de 1950 - Badalona, 2 de julio de 1992), conocido como Camarón de la Isla, tenía tres años menos que Paco y era ya, con menos de veinte, la voz más reconocible del cante gitano de su generación. A partir de 1969 Paco de Lucía fue el guitarrista de la serie de discos que Camarón grabó para Philips, empezando por Al verte las flores lloran; su hermano Pepe participó también en varios de ellos. Entre 1969 y 1977 Camarón publicó nueve discos de estudio en esa serie.
La sociedad entre los dos es el episodio más citado de la historia del flamenco del siglo XX, y la razón es sencilla: el cante de Camarón necesitaba una guitarra capaz de seguirlo y a la vez de empujarlo, y la guitarra de Paco necesitaba un cante que justificara todo lo que era capaz de hacer. Los dos ampliaron el repertorio hacia formas más abiertas y absorbieron influencias del pop, del rock y del jazz que hasta entonces no tenían sitio en un disco de flamenco.
Trabajaron por separado durante buena parte de los años ochenta, pero volvieron a coincidir: Paco produjo Potro de rabia y miel (1992), el último disco que Camarón grabó, y ambos aparecieron juntos en la película Sevillanas de Carlos Saura, del mismo año. Camarón murió el 2 de julio de 1992.
5. Fuente y caudal y «Entre dos aguas» (1973-1976)[editar]
En 1973 Paco de Lucía publicó Fuente y caudal. El disco no arrancó bien en ventas. Su representante y varios periodistas musicales presionaron a la discográfica para que extrajera de él un corte concreto y lo publicara como sencillo: una rumba instrumental de poco más de cinco minutos titulada «Entre dos aguas».
El sencillo salió en 1974. En octubre de ese año entró en el puesto 24 de la lista nacional de sencillos en España; en diciembre el álbum Fuente y caudal era número uno y el sencillo había subido al número dos, y dos semanas más tarde alcanzó también el número uno. Vendió más de 300 000 copias, obtuvo disco de oro en 1976 y permaneció veintidós semanas en lo más alto de las listas de ventas.
Lo que esa cifra significa es difícil de exagerar. Hasta ese momento el flamenco era, en términos comerciales, un género de aficionados y de festivales de verano. «Entre dos aguas» lo puso en la radio generalista y en las casas donde nadie escuchaba flamenco. Es, con diferencia, la pieza más conocida de su autor, hasta el punto de que él mismo hablaba de ella con una mezcla de gratitud y hartazgo.
La consecuencia inmediata fue su recital del 18 de febrero de 1975 en el teatro Real de Madrid, grabado y publicado ese mismo año. Era la primera vez que una guitarra flamenca sola llenaba un escenario de esa categoría en España, y es el hito que las conmemoraciones posteriores han subrayado más.
En 1976 publicó Almoraima, cuyo tema titular, por bulerías, se cuenta entre sus composiciones más celebradas, y en 1978 Paco de Lucía interpreta a Manuel de Falla, su primer acercamiento formal al repertorio culto español.
6. La apertura al jazz y el Sexteto (1977-1990)[editar]
6.1 El trío de guitarras[editar]
En 1977 Paco de Lucía actuó con Carlos Santana y con Al Di Meola, que ese mismo año publicó Elegant Gypsy con la participación del español. A partir de 1980 se sumó el guitarrista británico John McLaughlin, y los tres formaron el trío de guitarras acústicas que giró por Europa, Estados Unidos y Japón durante la primera mitad de los ochenta.
De ese trío salió Friday Night in San Francisco (1981), grabado en directo en el Warfield Theatre de San Francisco. Es el disco de mayor circulación de toda la discografía de Paco de Lucía: superó el millón de copias vendidas, una cifra sin precedentes para un álbum de guitarra acústica instrumental. Le siguieron Passion, Grace and Fire (1983) y, tras un paréntesis de más de una década, The Guitar Trio (1996). En paralelo, Paco grabó Castro Marín (1981) con McLaughlin y Larry Coryell.
El propio Di Meola explicó en 1986, en una entrevista con la revista DownBeat, que la fórmula se había agotado por el modo en que estaban planteadas las actuaciones. De Lucía siguió tocando con McLaughlin en formato de dúo por Europa a partir de 1986.
6.2 El Sexteto de Paco de Lucía[editar]
Mientras giraba con músicos de jazz, Paco de Lucía montó en 1981 su propia formación estable, el Sexteto de Paco de Lucía, con la que abordó el proyecto de fondo de su carrera: ampliar el flamenco desde dentro.
| Músico | Papel | Procedencia |
|---|---|---|
| Paco de Lucía | Guitarra solista y dirección | Algeciras, España |
| Ramón de Algeciras | Segunda guitarra | Algeciras, España |
| Pepe de Lucía | Cante | Algeciras, España |
| Jorge Pardo | Flauta travesera y saxofón | Madrid, España |
| Carles Benavent | Bajo eléctrico | Barcelona, España |
| Rubem Dantas | Percusión, cajón | Bahía, Brasil |
Ninguno de esos tres últimos instrumentos —flauta, bajo eléctrico, percusión de parche— formaba parte del flamenco antes de esa formación. La incorporación no fue decorativa: obligó a reescribir el modo en que se articulaban los palos, porque un bajo eléctrico sostiene una armonía que la guitarra sola no puede sostener, y una percusión definida cambia el modo en que se marcan los acentos del compás.
Los discos que salieron de ese trabajo son Sólo quiero caminar (1981; algunas ediciones lo datan en 1980 y con el título Yo solo quiero caminar), Siroco (1987) y Zyryab (1990). Este último es el punto en el que la fusión flamenco-jazz es más explícita: hay teclados y piano junto a los instrumentos tradicionales, y participan Chick Corea y el guitarrista Manolo Sanlúcar.
6.3 El cajón peruano[editar]
La aportación de Paco de Lucía al instrumental del flamenco que ha tenido consecuencias más duraderas es la incorporación del cajón peruano, un instrumento de percusión de la música afroperuana consistente en una caja de madera sobre la que se sienta el ejecutante.
Lo conoció a finales de los años setenta en Lima, en una fiesta en la embajada de España, de manos del cajonero y compositor peruano Carlos «Caitro» Soto de la Colina, que estaba allí acompañando a Chabuca Granda. En una entrevista concedida al diario peruano El Comercio el 6 de octubre de 2013, cuatro meses antes de su muerte, lo contó así:
Lo vi por primera vez en una fiesta en la embajada de España en Lima, donde estaba con Chabuca Granda. Y tocó el cajón. Allí me dije: «Este es el instrumento que necesita el flamenco». Hasta entonces, usábamos los bongós y las congas, pero aquello era más caribeño, no sonaba a flamenco. Advertí que el cajón tenía el sonido grave de la planta del pie de un bailaor y también el agudo de su tacón. […] Sé que hay mucha gente en el Perú que dice que los flamencos nos hemos robado el cajón, pero no es así. Yo siempre, a mucha honra, hablo del cajón del Perú.
Lo introdujo en su sexteto con la complicidad de Rubem Dantas, el percusionista brasileño de la formación. Desde entonces el cajón dejó de ser una incorporación experimental para convertirse en un instrumento estándar del flamenco contemporáneo, presente hoy en prácticamente cualquier cuadro, y se extendió después a la música pop, al rock acústico y a la canción de autor de medio mundo.
7. Madurez: del Concierto de Aranjuez a Cositas buenas (1991-2004)[editar]
En 1991 grabó el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo con la Orquesta de Cadaqués. Para abordar una partitura escrita para guitarra clásica —una técnica de mano derecha y una lectura distintas de las del flamenco— contó con el asesoramiento del guitarrista José María Gallardo del Rey. La grabación fue discutida por parte de la crítica clásica y celebrada por otra parte de ella, y sigue siendo una rareza en el catálogo: es el único disco en el que interpreta repertorio ajeno escrito nota a nota.
En 1993 publicó Live in América, en directo y ya acreditado como Paco de Lucía Sextet.
En 1998 apareció Luzia, homenaje doble a su madre, fallecida el año anterior, y a Camarón de la Isla. Es el disco en el que canta con más frecuencia, algo que solo hacía de forma ocasional.
Después vinieron cinco años de silencio compositivo, que terminaron con Cositas buenas (2004), publicado por Blue Thumb Records a través de Universal Music Spain y dirigido por él mismo con la colaboración de Javier Limón. Es el disco de su vejez artística: ocho cortes, la mayoría por bulerías y tangos, con un sonido más despojado que el de sus discos de los ochenta. Participaron, entre otros, el cantaor Diego el Cigala, el guitarrista Tomatito, el percusionista Israel Suárez «Piraña» y el bajista cubano Alain Pérez. Ganó el premio Grammy Latino al Mejor Álbum Flamenco de 2004.
8. Últimos años y muerte (2005-2014)[editar]
Entre 2005 y 2013 Paco de Lucía redujo el ritmo de publicación pero mantuvo la actividad en directo. En 2011 apareció Paco de Lucía, en vivo, conciertos España 2010, que ganó el Grammy Latino al Mejor Álbum Flamenco de 2012.
En sus últimos años trabajó en un proyecto distinto de todo lo anterior: un disco dedicado a la copla y la canción andaluza, el repertorio popular español de la primera mitad del siglo XX, que había sido durante décadas el género de consumo masivo frente al cual el flamenco se definía por contraste. Terminó de grabarlo poco antes de morir y se publicó póstumamente como Canción Andaluza (2014).
Pasó sus últimos meses en Playa del Carmen, en el estado mexicano de Quintana Roo, donde tenía casa. En una entrevista para el suplemento Magazine del diario El Mundo explicó por qué:
Allí es donde de verdad disfruto, en Playa del Carmen, con su mar tranquilito. Voy, me alquilo una casa y me dedico a la pesca submarina. Y luego me cocino lo que he pescado y ya está.
Murió el martes 25 de febrero de 2014, a los 66 años, a consecuencia de un infarto agudo de miocardio. Estaba en la playa con sus hijos cuando empezó a encontrarse mal; llegó al área de urgencias del hospital Hospiten de Playa del Carmen con un fuerte dolor torácico y falleció allí.
Su cuerpo fue trasladado a Madrid el 28 de febrero. La capilla ardiente se instaló en el Auditorio Nacional de Música —se había anunciado inicialmente el teatro Real— y durante las cinco horas del velatorio acudieron, entre otros, el entonces príncipe de Asturias Felipe de Borbón, José Mercé, Vicente Amigo, Joaquín Cortés, Rosario Flores, Alejandro Sanz y Tomatito. Esa misma tarde el féretro salió por carretera hacia Algeciras, que había decretado tres días de luto; llegó de madrugada del sábado 1 de marzo y fue velado en el salón de plenos del ayuntamiento. Tras la misa en la iglesia de Nuestra Señora de la Palma fue enterrado en el patio de San José del cementerio Viejo, donde reposan también sus padres, en un acto íntimo al que acudieron familiares y figuras del flamenco como Pansequito, Paco Cepero, Cristina Hoyos, Capullo de Jerez o Raimundo Amador. Meses después se levantó allí un mausoleo en su honor.
El 55.º Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, celebrado en 
Chile días después de su muerte, le rindió homenaje con la lectura de un poema enviado por su familia.
9. Discografía[editar]
La discografía oficial de Paco de Lucía comprende 38 álbumes entre 1963 y 2024, contando discos en solitario, a dúo, en directo, recopilatorios y publicaciones póstumas. Las tablas siguientes recogen los títulos principales agrupados por tipo.
9.1 Discos en solitario[editar]
| Año | Título | Notas |
|---|---|---|
| 1967 | La fabulosa guitarra de Paco de Lucía | Primer disco en solitario |
| 1969 | Fantasía flamenca de Paco de Lucía | |
| 1971 | Recital de guitarra | Con guitarristas invitados |
| 1972 | El duende flamenco | Con Ramón de Algeciras |
| 1973 | Fuente y caudal | Contiene «Entre dos aguas» |
| 1976 | Almoraima | |
| 1978 | Paco de Lucía interpreta a Manuel de Falla | Repertorio clásico español |
| 1981 | Sólo quiero caminar | Algunas ediciones lo datan en 1980 como Yo solo quiero caminar |
| 1987 | Siroco | Con el Sexteto |
| 1990 | Zyryab | Con Chick Corea y Manolo Sanlúcar |
| 1991 | Concierto de Aranjuez | Con la Orquesta de Cadaqués |
| 1998 | Luzia | Homenaje a su madre y a Camarón |
| 2004 | Cositas buenas | Grammy Latino al Mejor Álbum Flamenco |
| 2014 | Canción Andaluza | Póstumo; Grammy Latino al Álbum del Año |
Son catorce discos en solitario en cuarenta y siete años, un ritmo de publicación muy bajo para un músico de su nivel de actividad. Él lo explicaba por su dificultad para dar por terminada una grabación.
9.2 Discos a dos guitarras y colaboraciones[editar]
| Año | Título | Con |
|---|---|---|
| 1963 | Los Chiquitos de Algeciras | Pepe de Lucía |
| 1964 | Dos guitarras flamencas en stereo | Ricardo Modrego |
| 1965 | 12 éxitos para dos guitarras flamencas | Ricardo Modrego |
| 1965 | Canciones de García Lorca para guitarra | Ricardo Modrego |
| 1967 | Canciones andaluzas para dos guitarras | Ramón de Algeciras |
| 1967 | Dos guitarras flamencas en América Latina | Ramón de Algeciras |
| 1969 | 12 hits para 2 guitarras flamencas | Ramón de Algeciras |
| 1969 | Hispanoamérica | Ramón de Algeciras |
| 1971 | El mundo del flamenco | Pepe de Lucía y Ramón de Algeciras |
| 1981 | Castro Marín | John McLaughlin y Larry Coryell |
| 1983 | Passion, Grace and Fire | John McLaughlin y Al Di Meola |
| 1996 | The Guitar Trio | John McLaughlin y Al Di Meola |
9.3 Directos y obra póstuma[editar]
| Año | Título | Notas |
|---|---|---|
| 1975 | Paco de Lucía en vivo desde el teatro Real | Grabado el 18 de febrero de 1975 |
| 1981 | Friday Night in San Francisco | Con Al Di Meola y John McLaughlin; más de un millón de copias |
| 1984 | Live... One Summer Night | |
| 1993 | Live in América | Como Paco de Lucía Sextet |
| 2011 | Paco de Lucía, en vivo, conciertos España 2010 | Grammy Latino al Mejor Álbum Flamenco de 2012 |
| 2016 | Paco and John Live at Montreux 1987 | Póstumo, con John McLaughlin |
| 2023 | Paco de Lucía: The Montreux Years | Póstumo |
| 2024 | Pepito y Paquito | Póstumo; grabaciones de 1959-1960 con Pepe de Lucía |
10. Estilo e innovaciones[editar]
Su contribución más citada no es técnica sino de alcance: haber popularizado e internacionalizado el flamenco. Eso le costó, durante buena parte de su carrera, reproches de los sectores puristas del género, que veían en la incorporación de instrumentos y armonías ajenas una pérdida de pureza.
En lo estrictamente musical, su estilo se describe habitualmente como vigoroso y rítmico, con una velocidad de picado que en su momento no tenía comparación y, más importante, con una colocación de los acentos dentro del compás que otros guitarristas han tardado décadas en asimilar. Entre sus composiciones más reconocidas están:
- «Entre dos aguas» (rumba), su pieza más popular.
- «La Barrosa» (alegrías), llamada así por la playa gaditana.
- «Almoraima» (bulerías).
- «Río Ancho» (rumba).
- «Guajiras de Lucía», sobre un palo de ida y vuelta de raíz cubana.
- «Homenaje al Niño Ricardo» (soleá) y «Barrio la Viña».
Sus innovaciones instrumentales concretas fueron tres: la introducción del cajón peruano, la incorporación del bajo eléctrico y de los vientos al conjunto flamenco, y la ampliación del vocabulario armónico del género. En cuanto al instrumento, tocaba de forma casi exclusiva guitarras de Conde Hermanos, del taller de la calle Gravina 7 de Madrid, construidas por Mariano y Faustino Conde en las décadas de 1960, 1970 y 1980.
Nunca aprendió solfeo ni teoría musical formal. Trabajaba de oído y de memoria.
11. Premios y distinciones[editar]
11.1 Premios Grammy Latino[editar]
Ganó cuatro premios Grammy Latino, dos de ellos póstumos:
| Año | Categoría | Obra |
|---|---|---|
| 2004 | Mejor Álbum Flamenco | Cositas buenas |
| 2012 | Mejor Álbum Flamenco | En vivo, conciertos España 2010 |
| 2014 | Álbum del Año | Canción Andaluza (póstumo) |
| 2014 | Mejor Álbum Flamenco | Canción Andaluza (póstumo) |
El de Álbum del Año de 2014, entregado nueve meses después de su muerte, fue la primera vez que un disco de flamenco ganó la categoría principal de esos premios. En 2005 había sido además candidato al Grammy Latino a Productor del Año por Tú, ven a mí, de la cantaora La Tana.
11.2 Otras distinciones[editar]
| Año | Distinción |
|---|---|
| 1962 | Premio Javier Molina, Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera |
| 1992 | Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes |
| 1997 | Hijo Predilecto de la Provincia de Cádiz |
| 2002 | Distinción honorífica de los Premios de la Música |
| 2004 | Premio Príncipe de Asturias de las Artes |
| 2007 | Doctor honoris causa por la Universidad de Cádiz (23 de marzo) |
| 2010 | Doctor honoris causa por el Berklee College of Music (Boston) |
12. Paco de Lucía y América Latina[editar]
La relación de Paco de Lucía con América Latina no fue un apéndice de su carrera ni una serie de giras de promoción. Empezó a los quince años, duró medio siglo, cambió la instrumentación del flamenco y terminó donde él murió.
12.1 Las primeras giras (1963-1969)[editar]
Su primera salida profesional de España fue la gira de nueve meses por Sudamérica con la compañía de José Greco, en 1963. Volvió con material suficiente para grabar, con Los Chiquitos de Algeciras, un disco de versiones de temas populares iberoamericanos.
Esa vía siguió abierta en la serie de discos a dos guitarras con su hermano Ramón: Dos guitarras flamencas en América Latina (1967) e Hispanoamérica (1969) son adaptaciones de repertorio del continente al lenguaje de dos guitarras flamencas. Son discos poco citados hoy, pero explican por qué años más tarde lo latinoamericano no le sonaba a préstamo exótico: lo llevaba tocando desde los veinte años.
Conviene recordar además lo dicho en la sección 2.2: el propio repertorio flamenco incluye los cantes de ida y vuelta, formas nacidas del tránsito entre Andalucía y América. Paco de Lucía grabó y compuso sobre varias de ellas, en particular las guajiras —de raíz cubana— y la rumba flamenca, que es la forma sobre la que está construida «Entre dos aguas».
12.2 El cajón peruano[editar]
El episodio de mayor consecuencia es el descrito en la sección 6.3: el descubrimiento del cajón en Lima, a finales de los setenta, de manos de Caitro Soto, en una fiesta en la embajada española a la que asistía también Chabuca Granda. La transformación que ese instrumento produjo en el flamenco es completa y permanente, y Paco de Lucía se ocupó siempre de atribuirla explícitamente al 
Perú. La entrevista de 2013 en El Comercio, citada más arriba, es su declaración más clara al respecto: reivindicó el origen peruano del instrumento y rechazó, con nombre y apellidos del músico que se lo vendió, la idea de que los flamencos se lo hubieran apropiado.
12.3 Músicos latinoamericanos y brasileños en su obra[editar]
| Músico | Origen | Relación |
|---|---|---|
| Rubem Dantas | Bahía, Brasil | Percusionista del Sexteto desde 1981; introdujo el cajón junto con Paco de Lucía |
| Caitro Soto | Perú | Cajonero y compositor; le dio a conocer el cajón peruano |
| Alain Pérez | Cuba | Bajista; participó en Cositas buenas (2004) |
| Carlos Santana | México | Actuaciones conjuntas en 1977 |
| Chick Corea | Estados Unidos | Giras a partir de 1980 y participación en Zyryab (1990) |
Rubem Dantas merece una mención aparte. Percusionista brasileño formado en la tradición afrobahiana, fue el hombre que tradujo el cajón peruano al compás flamenco: es una cosa conocer un instrumento y otra distinta saber tocarlo a doce tiempos. Permaneció en la formación de Paco de Lucía durante décadas y es, por esa vía, uno de los músicos que más ha influido en el sonido del flamenco contemporáneo sin ser español ni gitano.
12.4 México, su última casa[editar]
Paco de Lucía giró por México, 
Argentina, 
Colombia, 
Venezuela, Perú, Chile, 
Brasil y Cuba a lo largo de toda su carrera; el disco Live in América (1993) documenta una de esas etapas con el Sexteto. Volvió al Perú en 2013 tras dieciséis años de ausencia, y esa visita motivó la entrevista sobre el cajón que se ha citado.
Sus últimos meses los pasó en Playa del Carmen, en la costa caribeña de Quintana Roo, y allí murió el 25 de febrero de 2014. El homenaje que le rindió el Festival de Viña del Mar en Chile, pocos días después, fue el primero de una larga serie en el continente.
13. Legado[editar]
En 2015 el documental Paco de Lucía: la búsqueda, dirigido por su hijo Curro Sánchez y estrenado el 24 de octubre de 2014, obtuvo el premio Goya al mejor documental entre tres candidaturas.
En Madrid, la estación de Paco de Lucía de la línea 9 del metro lleva su nombre desde 2015. En Algeciras se levantó un mausoleo en el cementerio Viejo y en 2018 se propuso la creación de un centro de interpretación dedicado a su figura.
El décimo aniversario de su muerte, en 2024, produjo una oleada de conciertos, especiales y reportajes que volvieron sobre dos asuntos: su papel en la internacionalización del flamenco y el hecho, subrayado por buena parte de la crítica española, de que no ha aparecido un sucesor claro. Ese mismo año se publicó Pepito y Paquito, con grabaciones inéditas de 1959 y 1960 junto a su hermano Pepe: el disco más antiguo y el más reciente de su catálogo son, los dos, discos de dos hermanos de Algeciras tocando juntos.