Quincy Jones
| Quincy Jones | |
|---|---|
| Nombre de nacimiento | Quincy Delight Jones Jr. |
| Nacimiento | 14 de marzo de 1933, Chicago, Illinois, Estados Unidos |
| Fallecimiento | 3 de noviembre de 2024 (91 años), Los Ángeles, California, Estados Unidos |
| Causa de muerte | cáncer de páncreas |
| Nacionalidad | estadounidense |
| Ocupación | Productor discográfico, compositor, arreglista, director de orquesta, trompetista |
| Años activo | 1951–2024 |
| Géneros | Jazz, pop, soul, funk, R&B, big band, bossa nova, hip hop |
| Instrumentos | Trompeta, piano, voz, batería, sintetizador |
| Discográficas | Columbia, Mercury, A&M, Qwest, Warner Bros., Epic, ABC, Interscope |
| Cónyuges | Jeri Caldwell (1957–1966), Ulla Andersson (1967–1974), Peggy Lipton (1974–1990) |
| Pareja | Nastassja Kinski (1991–1995[sin verificar]) |
| Hijos | 7: Jolie, Rachel, Martina, Quincy III, Kidada, Rashida, Kenya |
| Premios | 28 Grammys, 1 Emmy, 1 Tony, Óscar honorífico, entre otros |
| Sitio web | quincyjones.com |
1. Resumen[editar]
Quincy Delight Jones Jr. (Chicago, 14 de marzo de 1933-Los Ángeles, 3 de noviembre de 2024), conocido como Quincy Jones o simplemente Q, fue un productor discográfico, compositor, arreglista, director de orquesta y trompetista estadounidense. Con una carrera de más de siete décadas, se consolidó como una de las figuras más influyentes de la música popular del siglo XX y de la industria del entretenimiento.
Saltó a la fama en los años cincuenta como arreglista y director de jazz. Trabajó con artistas como Frank Sinatra, Count Basie, Sarah Vaughan y Ray Charles, y en los años sesenta se convirtió en uno de los primeros ejecutivos afrodescendientes de una gran compañía discográfica estadounidense. Como productor, alcanzó la cima comercial con los tres álbumes más exitosos de Michael Jackson: Off the Wall (1979), Thriller (1982) y Bad (1987). Thriller es considerado el álbum más vendido de todos los tiempos.
Jones también compuso o produjo bandas sonoras para cine y televisión, entre ellas las de A sangre fría, In the Heat of the Night, The Italian Job, El color púrpura y la miniserie Raíces. En 1985 produjo y dirigió la grabación benéfica «We Are the World», que reunió a decenas de estrellas para recaudar fondos contra la hambruna de Etiopía.
A lo largo de su vida recibió 28 premios Grammy, un premio Emmy, un premio Tony, el premio humanitario Jean Hersholt de la Academia y, de forma póstuma, un premio honorífico de la Academia en 2025. Falleció el 3 de noviembre de 2024, a los 91 años.
2. Primeros años y formación[editar]
Nació el 14 de marzo de 1933 en el South Side de Chicago, Illinois, en el seno de una familia afroestadounidense. Fue el mayor de dos hijos de Sara Frances Wells, que trabajó como oficial de banco y administradora de un complejo de apartamentos, y Quincy Delight Jones Sr., jugador semiprofesional de béisbol y carpintero originario de Charleston, Carolina del Sur.
La historia familiar de Jones estuvo marcada por la esclavitud y las migraciones internas de Estados Unidos. Su abuela paterna había sido esclava en Louisville, Kentucky; más tarde, la investigación genealógica señaló que su abuelo paterno era de ascendencia galesa. En el programa African American Lives (PBS, 2006), una prueba de ADN arrojó que Jones tenía alrededor de un 34 % de ascendencia europea[1] y raíces africanas occidentales y centrales, en particular del pueblo tikar de Camerún.
Su infancia fue itinerante. La familia se mudó a Chicago durante la Gran Migración, y hacia 1943 se instaló en Sinclair Park, una comunidad segregada de Bremerton, Washington, donde su padre consiguió un empleo de guerra en el astillero naval de Puget Sound.[2]
Cuando Jones era niño, su madre sufrió una crisis de esquizofrenia y fue internada en una institución psiquiátrica.[3] Su padre se divorció y se casó después con Elvera Jones, con quien tuvo más hijos.
El primer contacto de Jones con la música se produjo a través de los cantos religiosos de su madre y de su vecina Lucy Jackson, que tocaba piano stride en la casa de al lado. Según recordó, cuando tenía cinco o seis años se quedaba escuchando detrás de la pared; después de oírla, no lograban apartarlo del instrumento.
Tras la guerra, la familia se instaló en Seattle. Jones asistió a la Garfield High School, donde desarrolló su técnica como trompetista y arreglista. A los catorce años ya tocaba en clubes y salones del noroeste estadounidense y llegó a acompañar a Billie Holiday. Por aquella época conoció a Ray Charles, entonces un desconocido de dieciséis años que se presentaba como R. C. Robinson; la amistad entre ambos se prolongó durante décadas.[4]
A los catorce años sufrió un accidente automovilístico que lo marcó de por vida: viajaba con un grupo de amigos hacia un rodeo en Yakima cuando un autobús chocó contra el vehículo. Según su relato, todos los demás ocupantes murieron, y el trauma hizo que nunca aprendiera a conducir.[5]
En 1951 obtuvo una beca para la Universidad de Seattle y, tras un semestre, se trasladó con otra beca a lo que hoy es el Berklee College of Music de Boston. Allí conoció a músicos que influyeron en su formación, como Bunny Campbell y Preston Sandiford.
3. Trayectoria[editar]
3.1. Inicios en el jazz y París (1951–1960)[editar]
En 1953, a los veinte años, Jones viajó con la big band de Lionel Hampton en una gira europea. Años después describió esa experiencia como una revelación: observar conflictos étnicos y nacionales en distintos lugares le permitió comprender el racismo en Estados Unidos desde una perspectiva más amplia.
Tras dejar la banda de Hampton en 1954, se instaló en Nueva York y comenzó a ganarse la vida como arreglista y compositor para quien lo contratara. Allí entró en contacto con una generación extraordinaria de músicos de jazz: Thelonious Monk, Charlie Parker, Miles Davis, Billie Holiday y Gene Krupa, entre otros.
A comienzos de 1956 trabajó como segundo trompetista en la banda de estudio del programa Stage Show de la CBS, presentado por Jimmy y Tommy Dorsey. En esa formación acompañó a un joven Elvis Presley en sus primeras seis apariciones televisivas, en las que Presley cantó «Heartbreak Hotel», su primer número uno. Poco después, como trompetista y director musical de Dizzy Gillespie, realizó una gira por Medio Oriente y Sudamérica patrocinada por la Agencia de Información de Estados Unidos.[6]
En 1957 se mudó a París, donde estudió composición y teoría con Nadia Boulanger y Olivier Messiaen, actuó en el Olympia y fue director musical de Barclay Records, sello francés licenciatario de Mercury. Boulanger, en particular, dejó una huella perdurable en su oficio como arreglista.
Como director musical del musical de jazz Free and Easy, de Harold Arlen, formó una big band de dieciocho músicos conocida como The Jones Boys. La banda fue aclamada en Norteamérica y Europa, pero su coste resultó insostenible y la experiencia terminó en crisis financiera. Jones resumió así aquella lección: «Teníamos la mejor banda de jazz del planeta y, aun así, literalmente nos moríamos de hambre. Fue entonces cuando descubrí que existía la música y existía el negocio de la música».[7] Irving Green, directivo de Mercury, le tendió un puente con un préstamo personal y un puesto como director musical de la división neoyorquina de la compañía.
3.2. Mercury, Frank Sinatra y bandas sonoras (1961–1977)[editar]
En 1961 regresó a Nueva York y fue nombrado vicepresidente de Mercury Records. Fue uno de los primeros afroestadounidenses —o, según otras fuentes, el primero— en ocupar una vicepresidencia de una gran compañía discográfica.[8]
En 1963 logró su primer número uno como productor con «It’s My Party», de la joven cantante Lesley Gore. La canción inauguró una serie de éxitos que convirtió a Gore en una estrella del pop y a Jones en un productor codiciado.[9]
Su relación con Frank Sinatra se inició en 1958, cuando la princesa Grace de Mónaco lo invitó a arreglar un concierto benéfico en el Sporting Club de Montecarlo.[10] Seis años después, Sinatra le encargó los arreglos y la dirección del álbum It Might as Well Be Swing (1964), con la orquesta de Count Basie. De allí pasó a dirigir el álbum en vivo Sinatra at the Sands (1966) y, en 1984, a producir L.A. Is My Lady, el último álbum de Sinatra con canciones nuevas.
A invitación del director Sidney Lumet, compuso la banda sonora de El prestamista (1964). Fue la primera de una larga serie de partituras cinematográficas. Después de ese trabajo dejó Mercury y se mudó a Los Ángeles. En los años siguientes compuso para películas como A sangre fría (1967), In the Heat of the Night (1967), Mackenna’s Gold (1969), The Italian Job (1969), Bob & Carol & Ted & Alice (1969), Cactus Flower (1969) y La huida (1972), entre otras.[11]
También compuso temas de televisión emblemáticos, como «The Streetbeater», cortina de la comedia Sanford and Son, y música para series como Ironside, Banacek y la miniserie Raíces (1977). Por Raíces ganó un premio Emmy.
Sus propios álbumes del periodo —Walking in Space (1969), Gula Matari (1970), Smackwater Jack (1971), You’ve Got It Bad Girl (1973), Body Heat (1974), Mellow Madness (1975) e I Heard That! (1976)— mostraron su interés por fusionar el jazz con el soul, el funk y el pop. Varios de esos discos recibieron premios Grammy.
Su pieza instrumental «Soul Bossa Nova», publicada originalmente en el álbum Big Band Bossa Nova (1962), encontró una segunda vida en los años noventa al ser utilizada como tema de la comedia de espionaje Austin Powers: International Man of Mystery (1997). En 1975 fundó Qwest Productions, con la que produjo y arregló discos para Frank Sinatra y otros artistas y que, más tarde, se amplió hacia el cine y la televisión.
3.3. Michael Jackson y la cima del pop (1978–1989)[editar]
En 1978 Jones produjo la banda sonora de The Wiz, adaptación cinematográfica de El mago de Oz protagonizada por Diana Ross y Michael Jackson. Durante la producción, Jackson le pidió que le recomendara productores para su próximo álbum solista. Jones ofreció algunos nombres, pero finalmente se propuso a sí mismo para el proyecto.
El resultado, Off the Wall (1979), vendió alrededor de 20 millones de copias y consolidó a Jones como el productor más poderoso del negocio. La colaboración siguiente, Thriller (1982), superó todas las expectativas: con ventas estimadas en 70 millones de copias, se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos y en un fenómeno cultural amplificado por el auge de MTV y los videoclips.[12] En 1987 produjo Bad, tercer eslabón de la trilogía con Jackson, que vendió unos 35 millones de copias. Fue el último proyecto de estudio de la pareja creativa.
Después de los American Music Awards de 1985, Jones aprovechó su capacidad de convocatoria para reunir a la mayoría de las grandes figuras de la música estadounidense en un estudio de Los Ángeles y grabar «We Are the World», canción benéfica destinada a las víctimas de la hambruna de Etiopía. Jones produjo y dirigió la sesión. Sobre cómo logró que tantas estrellas convivieran, contó que colgó un letrero en la entrada: «Deje su ego en la puerta». La canción ganó varios premios Grammy y se convirtió en uno de los himnos benéficos más famosos.
En 1985, El color púrpura, dirigida por Steven Spielberg, marcó su debut como productor cinematográfico y le valió una nominación al Óscar por la banda sonora. La película obtuvo once nominaciones y sirvió para presentar al gran público a Whoopi Goldberg y Oprah Winfrey.[13]
En 1981 su álbum The Dude produjo los éxitos «Ai No Corrida», «Just Once» y «One Hundred Ways», interpretados por James Ingram, y anticipó el giro pop de su producción. En 1986 puso en marcha Qwest Entertainment para producir largometrajes, con una división de cine y televisión y un sello de video doméstico.
3.4. Multimedios y últimos años (1990–2024)[editar]
En 1990, Quincy Jones Productions se asoció con Time Warner para crear Quincy Jones Entertainment. La empresa firmó un acuerdo de diez películas con Warner Bros. y produjo series como The Fresh Prince of Bel-Air, que lanzó la carrera como actor de Will Smith, y In the House. Jones también estuvo detrás del programa de entrevistas de Jenny Jones y del show de sketches Mad TV.
A finales de los años setenta, Jones intentó convencer a Miles Davis de rescatar la música que había grabado con los arreglos de Gil Evans en los años cincuenta. Davis se negó durante años, pero en 1991 aceptó actuar en el Montreux Jazz Festival. El disco resultante, Miles & Quincy Live at Montreux, fue el último álbum de Davis, que murió pocos meses después.[14]
En 1993 produjo con David Salzman el concierto An American Reunion para la investidura de Bill Clinton, y el mismo año la compañía pasó a llamarse Quincy Jones/David Salzman Entertainment. En 2001 publicó su autobiografía, Q: The Autobiography of Quincy Jones, que ganó el Grammy a mejor álbum hablado.
En los últimos años mantuvo una presencia ocasional en la cultura pop: apareció como él mismo en Fantasia 2000 (1999) y en Austin Powers in Goldmember (2002), condujo un episodio de Saturday Night Live en 1990, apareció en el video «Out West» de Travis Scott y Young Thug en 2020 y participó con un monólogo en Dawn FM, el álbum de The Weeknd de 2022. En 2017 cofundó Qwest TV, una plataforma de streaming por suscripción dedicada al jazz y a músicas eclécticas de todo el mundo.[15] El documental Quincy (2018), dirigido por Alan Hicks y Rashida Jones, repasó su vida y ganó el Grammy a mejor película musical.
Jones falleció el 3 de noviembre de 2024 en su residencia de Bel-Air, en Los Ángeles, California, a los 91 años.[16]
4. Estilo y características[editar]
Como músico, Jones fue ante todo un arreglista: su obsesión por la orquestación, aprendida con Nadia Boulanger, distinguió tanto sus discos de jazz como sus producciones de pop. En los años cincuenta y sesenta aplicó la sección de metales y las armonías vocales de la big band al soul y al R&B; en los setenta y ochenta simplificó su lenguaje para adaptarse a la radio, sin abandonar la ambición armónica.
Su instrumento principal fue la trompeta, aunque también tocó el piano y, de forma ocasional, cantó. En el escenario fue un director enérgico, y en el estudio fue descrito como un productor minucioso, capaz de combinar una gran exigencia técnica con la habilidad para resolver egos y crear un ambiente de colaboración.
Jones defendió durante toda su vida la diferencia entre «música» y «negocio de la música». El fracaso económico de The Jones Boys lo llevó a estudiar el funcionamiento de la industria, y esa doble comprensión le permitió moverse con soltura entre el jazz, el pop, el cine y la televisión. Su catálogo abarca desde el bop y el swing hasta el funk, la bossa nova, el hip hop y las bandas sonoras, y su figura suele citarse como puente entre generaciones y géneros.
5. Palmarés y récords[editar]
Quincy Jones acumuló decenas de reconocimientos. Con 28 premios Grammy, durante mucho tiempo fue uno de los artistas más premiados de la Academia de la Grabación. Su número de nominaciones a los Grammy se cita con frecuencia como 79 u 80, según la fuente.[17] Recibió además el Grammy Legend Award en 1992.
Fue nominado siete veces al Óscar: en 1968 por A sangre fría (mejor banda sonora y mejor canción original), en 1969 por la canción de Un hombre para Ivy, en 1979 por la banda sonora adaptada de The Wiz y en 1986 por El color púrpura (mejor película, mejor banda sonora y mejor canción original). En 1995 recibió el premio humanitario Jean Hersholt de la Academia y, de forma póstuma, un premio honorífico de la Academia en 2025.[18]
En televisión ganó un premio Emmy por la música de Raíces (1977). En teatro ganó un premio Tony como productor del reestreno de The Color Purple (2016). También acumuló cuatro nominaciones a los Globos de Oro.
La revista Time lo incluyó entre los músicos de jazz más influyentes del siglo XX, y varias universidades le otorgaron doctorados honoris causa.[19]
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Premios Óscar
| Año | Categoría | Trabajo | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1968 | Mejor banda sonora | A sangre fría | Nominado |
| 1968 | Mejor canción original | Cómprame ese hombre | Nominado |
| 1969 | Mejor canción original | Un hombre para Ivy | Nominado |
| 1979 | Mejor banda sonora adaptada | The Wiz | Nominado |
| 1986 | Mejor película | El color púrpura | Nominado |
| 1986 | Mejor banda sonora | El color púrpura | Nominado |
| 1986 | Mejor canción original | El color púrpura | Nominado |
| 1995 | Premio Humanitario Jean Hersholt | — | Ganador |
Premios Emmy
| Año | Categoría | Trabajo | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1977 | Mejor logro en composición musical para una serie | Raíces | Ganador |
| 1995 | Mejor serie informativa | The History of Rock ’n’ Roll | Nominado |
| 1996 | Mejor especial de variedades, música o comedia | The 68th Annual Academy Awards | Nominado |
| 1999 | Mejor tema principal | The PJs | Nominado |
Premios Tony
| Año | Categoría | Trabajo | Resultado |
|---|---|---|---|
| 2006 | Mejor musical | The Color Purple | Nominado |
| 2016 | Mejor musical reestrenado | The Color Purple | Ganador |
Globos de Oro
| Año | Categoría | Trabajo | Resultado |
|---|---|---|---|
| 1970 | Mejor canción original | The Time for Love Is Any Time | Nominado |
| 1972 | Mejor canción original | Something More | Nominado |
| 1973 | Mejor banda sonora | The Getaway | Nominado |
| 1986 | Mejor banda sonora | El color púrpura | Nominado |
6. Vida pública y legado[editar]
Jones suele ser recordado no solo por su música, sino por su papel como ejecutivo pionero. En Mercury Records rompió una barrera racial para los afroestadounidenses; más tarde fue productor de cine y televisión, fundó sellos y compañías y se convirtió en un hombre de negocios con intereses muy variados.
Su activismo comenzó en los años sesenta con el apoyo a Martin Luther King Jr. Fue uno de los fundadores del Institute for Black American Music (IBAM) y del Black Arts Festival de Chicago. En los setenta creó los Quincy Jones Workshops, dirigidos a formar a jóvenes de barrios desfavorecidos de Los Ángeles en música, actuación y composición.
En 2004 impulsó We Are the Future, programa de centros para la infancia en zonas pobres o en conflicto, lanzado con un concierto en Roma ante medio millón de personas.[20]
También fue miembro honorario de la junta de la Jazz Foundation of America, con la que ayudó a músicos veteranos de jazz y blues, incluidos damnificados del huracán Katrina.
En 2009, cuando Barack Obama asumió la presidencia de Estados Unidos, varias voces propusieron nombrarlo primer «ministro de cultura» del país; la idea se discutió en programas de radio y en la prensa de educación superior, pero nunca llegó a concretarse.
Su legado es amplio: definió el sonido de Michael Jackson en su etapa más exitosa, convirtió «We Are the World» en un modelo de canción benéfica y dejó un catálogo que une el jazz con el pop. Después de su muerte, artistas de varias generaciones destacaron su papel de puente entre músicas, industrias y generaciones. En el plano jurídico, Jones también dejó huella en el negocio editorial: en 2013 demandó al patrimonio de Michael Jackson por regalías y derechos de producción; el litigio continuó en los años siguientes.[21]
7. Presencia en el mundo hispanohablante[editar]
La relación de Quincy Jones con América Latina y el mundo hispanohablante fue más musical que personal. En 1956, cuando aún era un joven trompetista, realizó una gira por Sudamérica como integrante de la banda de Dizzy Gillespie, en una época en que pocas grandes orquestas de jazz estadounidenses visitaban la región.[6:1]
Su afinidad por la bossa nova y la música brasileña quedó registrada en el álbum Big Band Bossa Nova (1962), del que salió su célebre «Soul Bossa Nova». La canción, popularizada luego por la saga Austin Powers, recorre la línea entre el jazz y la música afrolatina sin ser propiamente un tema de bossa nova tradicional.
En el cine, varias de sus bandas sonoras se conocieron en Hispanoamérica con títulos traducidos: El prestamista (1964), A sangre fría (1967), La huida (1972) y, sobre todo, El color púrpura (1985), que tuvo una amplia distribución en la región.
«We Are the World», el sencillo benéfico que produjo y dirigió en 1985, alcanzó también una enorme notoriedad en la radio y la televisión hispanohablantes. Su actividad en vivo en la región, en cambio, fue esporádica: no hay evidencia clara de giras latinoamericanas estables en su etapa adulta.[22]
A fecha de agosto de 2026, sus principales álbumes y bandas sonoras están disponibles en las plataformas digitales habituales en América Latina, entre ellas Spotify y Apple Music.[23]
8. Discografía seleccionada[editar]
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- Big Band Bossa Nova (1962)
- Gula Matari (1970)
- Smackwater Jack (1971)
- You’ve Got It Bad, Girl (1973)
- Body Heat (1974)
- Mellow Madness (1975)
- I Heard That! (1976)
- Roots (1977)
- Sounds... And Stuff Like That!! (1978)
- The Dude (1981)
- The Birth of a Band, Vol. 1 (1984)
- Back on the Block (1989)
- Q’s Jook Joint (1995)
- Reel Quincy Jones (1999)
- Basie and Beyond (2000)
- Original Jam Sessions 1969 (2004)
- Soul Bossa Nostra (2011)
9. Notas[editar]
La cifra del 34 % proviene de una prueba de ADN presentada en African American Lives; otras investigaciones genealógicas posteriores han matizado los porcentajes y las regiones de origen. ↩︎
Algunas fuentes ubican este traslado directamente en Seattle; la etapa en Bremerton está documentada en la prensa local del estado de Washington. ↩︎
El episodio aparece con frecuencia en las biografías y en el propio relato de Jones, aunque las fechas precisas de la internación varían según la fuente. ↩︎
Jones y Ray Charles mantuvieron una relación personal y profesional durante décadas. Jones solía citar a Charles como una de sus mayores influencias tempranas. ↩︎
El episodio ha sido contado por Jones en entrevistas. Algunas versiones difieren sobre el número de ocupantes del vehículo. ↩︎
La gira sudamericana de 1956 es uno de los contactos más citados de Jones con el público hispanohablante, aunque las fuentes disponibles no precisan las ciudades visitadas. ↩︎ ↩︎
Cita recogida en Conversations in Jazz, de Ralph J. Gleason, y en varias entrevistas posteriores. ↩︎
Varias biografías usan la fórmula «el primero»; la Wikipedia en español prefiere «uno de los primeros». La distinción depende del tipo de sello y del organigrama. ↩︎
Jones produjo varios de los éxitos de Lesley Gore, entre ellos «It’s My Party», «Judy’s Turn to Cry», «She’s a Fool» y «You Don’t Own Me». ↩︎
La fecha de 1958 está tomada de la autobiografía de Jones; otras reseñas fechan el inicio de la relación en los años sesenta. ↩︎
El número total de bandas sonoras de Jones varía según la fuente: las biografías suelen hablar de «casi cuarenta» grandes partituras de cine, mientras que IMDb contabiliza 73 créditos entre cine y televisión. La cifra depende de si se incluyen obras para telefilme, temas y series. ↩︎
Las ventas de Thriller varían entre 40 y más de 100 millones según certificaciones y reediciones; la referencia habitual de la Wikipedia en español lo describe como el álbum más vendido de todos los tiempos. ↩︎
Aunque la película fue muy nominada aquel año, no ganó premios de la Academia en 1986; Jones recibió tres nominaciones: mejor película, mejor banda sonora y mejor canción original. ↩︎
Davis estaba enfermo durante la preparación y las fechas del concierto; aun así, la actuación pudo celebrarse y se convirtió en su último disco. ↩︎
La plataforma se presentó como un servicio de streaming especializado en jazz y músicas del mundo; sus contenidos y disponibilidad han cambiado desde entonces. ↩︎
La causa de muerte reportada fue cáncer de páncreas; la información está confirmada por algunos medios, aunque los comunicados iniciales de la familia no precisaron la causa. ↩︎
La Wikipedia en español menciona ambas cifras: 80 en el texto y 79 en la sección de premios. Las bases de datos de la academia permiten contar postulaciones conjuntas y categorías técnicas de maneras distintas. ↩︎
El anuncio del Óscar honorífico póstumo corresponde a la ceremonia de 2025. ↩︎
Las fuentes difieren: la Wikipedia en español menciona la Legión de Honor; la Wikipedia en inglés registra la Orden de las Artes y las Letras en 2014. Es posible que recibiera ambas en distintos años. ↩︎
El programa fue lanzado en 2004 por la Global Forum, la Quincy Jones Listen Up Foundation y Hani Masri, con apoyo del Banco Mundial y de organismos de Naciones Unidas. ↩︎
En 2013 la BBC y The Hollywood Reporter informaron que Jones planeaba demandar al patrimonio de Michael Jackson por regalías, honorarios de producción y derechos de remezcla. ↩︎
Jones visitó Sudamérica en 1956. De giras posteriores por América Latina no constan fechas ni ciudades. ↩︎
La disponibilidad por catálogo y por país cambia con el tiempo. ↩︎