Judy Garland
| Judy Garland | |
|---|---|
| Nombre real | Frances Ethel Gumm |
| Nacimiento | 10 de junio de 1922 Grand Rapids, Minnesota,  Estados Unidos |
| Fallecimiento | 22 de junio de 1969 (47 años) Londres, Reino Unido |
| Causa de muerte | Sobredosis accidental de barbitúricos |
| Sepultura | Ferncliff Cemetery, Hartsdale, Nueva York |
| Nacionalidad | Estadounidense |
| Ocupación | Actriz, cantante, bailarina, artista de vodevil |
| Años activa | 1924–1969 |
| Géneros | Pop tradicional, jazz, swing, música de espectáculos |
| Instrumento | Voz |
| Discográficas | Decca, Capitol, MGM Records |
| Premios destacados | Óscar Juvenil (1939), Globo de Oro (1955), Grammy (1962, 1997), Tony Especial (1952) |
| Cónyuges | David Rose (1941–1944) Vincente Minnelli (1945–1951) Sidney Luft (1952–1965) Mark Herron (1965–1967) Mickey Deans (1969) |
| Hijos | Liza Minnelli, Lorna Luft, Joey Luft |
1. Resumen[editar]
Judy Garland (nacida Frances Ethel Gumm) fue una actriz, cantante y bailarina estadounidense que se convirtió en una de las figuras más emblemáticas del entretenimiento del siglo XX. Con una carrera que comenzó a los dos años y medio en el vodevil, transitó por el cine, la radio, la televisión y los escenarios de conciertos, acumulando una base de admiradores extraordinariamente fiel y diversa. Su interpretación de Dorothy Gale en El mago de Oz (1939) le otorgó fama mundial a los diecisiete años y la canción «Over the Rainbow» quedó asociada para siempre a su voz.
Garland es recordada tanto por su prodigioso talento como por una vida personal turbulenta, marcada por las exigencias de los estudios de Hollywood, problemas de adicción, matrimonios fallidos y dificultades económicas. Sin embargo, su capacidad para conectar con el público a través de una vulnerabilidad palpable y una voz de enorme poder la convirtió en un ícono cultural, especialmente dentro de la comunidad LGBT y en el mundo de habla hispana, donde sus películas dobladas y sus canciones mantienen una vigencia notable. A menudo se la describe como «la mejor artista integral que ha dado Estados Unidos» y su legado continúa inspirando a generaciones de intérpretes.
2. Primeros años y formación[editar]
Frances Ethel Gumm nació en Grand Rapids, Minnesota, el 10 de junio de 1922, en el seno de una familia de artistas de vaudeville. Sus padres, Frank Gumm y Ethel Milne, regentaban un teatro local donde la pequeña Frances, apodada «Baby», debutó cantando a los dos años y medio con la canción «Jingle Bells». Pronto integró un trío musical junto a sus hermanas mayores, Mary Jane y Dorothy Virginia, que actuaba bajo el nombre de «The Gumm Sisters».[1]
La agrupación familiar se presentaba en cines y teatros del Medio Oeste, y la calidad vocal de la menor de las hermanas comenzó a destacar tempranamente. En 1934, las Gumm Sisters fueron contratadas para una gira que las llevó a la Costa Oeste. Durante una actuación en Chicago, el presentador George Jessel sugirió que el apellido «Gumm» sonaba poco glamuroso; inspirado por la entonces popular canción «Judy», propuso el nombre artístico Judy Garland. La adolescente lo adoptó legalmente más tarde y con él pasaría a la historia.[2]
En 1935, con trece años, Judy firmó un contrato con el estudio Metro-Goldwyn-Mayer (MGM) gracias a la intervención del cazatalentos Roger Edens, quien quedó deslumbrado por su voz. MGM no tenía inmediatamente un proyecto para ella y durante un tiempo la joven Garland permaneció en un limbo profesional, recibiendo clases de canto, actuación y baile, e interviniendo en algunos cortometrajes musicales.
3. Trayectoria[editar]
3.1 Primeros años en MGM y «El mago de Oz»[editar]
El primer largometraje de Garland fue Every Sunday (1936), un corto promocional compartido con Deanna Durbin. A partir de entonces comenzó a aparecer en papeles secundarios de musicales juveniles. El estudio la emparejó repetidamente con el joven actor Mickey Rooney, con quien rodó una serie de películas de bajo presupuesto pero gran éxito popular como Love Finds Andy Hardy (1938) y Babes in Arms (1939). La química entre ambos convirtió a la pareja en una de las más taquilleras del momento.
El punto de inflexión llegó con The Wizard of Oz (1939), adaptación libre de la novela de L. Frank Baum. Aunque Garland tenía dieciséis años cuando rodó la mayor parte de sus escenas, su interpretación de la inocente Dorothy y su poderosa entonación de «Over the Rainbow» la consagraron internacionalmente. La canción, compuesta por Harold Arlen y Yip Harburg, ganó el Óscar a la mejor canción original y se convirtió en el sello indeleble de la artista. Por su trabajo en este filme y en Babes in Arms, la Academia le concedió un Óscar Juvenil especial en 1940, un galardón honorífico que solo se entregó doce veces.[3]
3.2 Estrella de la era dorada (1940-1950)[editar]
Durante la década de 1940, Garland se afianzó como la principal estrella musical de MGM. Protagonizó títulos que hoy se consideran clásicos del género: For Me and My Gal (1942) junto a Gene Kelly, Meet Me in St. Louis (1944) bajo la dirección de Vincente Minnelli, The Harvey Girls (1946) y Easter Parade (1948) con Fred Astaire. Estas películas no solo mostraron su versatilidad interpretativa, sino que exploraron una madurez emocional que resonaba con el público adulto.[4]
En Meet Me in St. Louis Garland interpretó tres canciones que se convertirían en estándares: «The Trolley Song», «The Boy Next Door» y «Have Yourself a Merry Little Christmas». Durante el rodaje conoció a Minnelli, con quien se casó en 1945 y tuvo a su hija mayor, Liza Minnelli, nacida en 1946.
El ritmo de trabajo en MGM era agotador. Se sabe que Garland empezó a consumir anfetaminas y barbitúricos en su adolescencia para cumplir con las demandas del estudio —mantenerse delgada y conservar la energía en jornadas extenuantes—, lo que marcó el inicio de una lucha contra la adicción que duraría el resto de su vida[5].
3.3 Decadencia en el cine y renacimiento sobre el escenario (1950-1960)[editar]
Los problemas de salud y las tensiones contractuales con MGM provocaron que fuera despedida en 1950. Tras una pausa, regresó a los escenarios en giras de conciertos por Estados Unidos y Europa que revitalizaron su carrera. En 1951 ofreció una serie de legendarias presentaciones en el London Palladium y dos años después volvió al cine con una de sus interpretaciones más aclamadas: A Star Is Born (1954), bajo la dirección de George Cukor.
Por este filme, Garland fue nominada al Óscar como mejor actriz principal; la industria la daba por segura ganadora, pero la estatuilla fue para Grace Kelly. El resultado causó controversia y la propia Groucho Marx calificó la decisión como «el mayor robo desde el de Brink's». Garland sí obtuvo el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical.
En 1961 alcanzó otro hito con el álbum en vivo Judy at Carnegie Hall, grabado en el mítico teatro neoyorquino. El disco ganó cuatro premios Grammy, incluyendo Álbum del Año —la primera vez que una mujer lograba tal reconocimiento— y permaneció durante 95 semanas en las listas de ventas.[6]
3.4 Últimos años y legado televisivo[editar]
La década de 1960 trajo consigo problemas económicos que obligaron a Garland a aceptar numerosos compromisos televisivos. El más recordado es The Judy Garland Show (1963–1964), una serie de variedades en la que la artista compartió pantalla con invitados como Barbra Streisand, Tony Bennett y su hija Liza Minnelli. Aunque los índices de audiencia no estuvieron a la altura de las expectativas de la cadena CBS, el programa es valorado hoy como una ventana privilegiada al talento escénico de Garland.
En 1967 regresó a Londres para rodar su última película, I Could Go On Singing, un musical autobiográfico que incluía momentos de crudo dramatismo. Sus últimas actuaciones en vivo tuvieron lugar en clubes nocturnos de la capital británica durante 1968 y comienzos de 1969, en una serie de conciertos que combinaban momentos de brillantez vocal con otros de evidente fragilidad.
4. Estilo y características artísticas[editar]
La voz de Judy Garland era una contralto de rango amplio, dotada de un vibrato intenso y un poderío emocional que rara vez necesita maquillaje técnico. La crítica especializada ha señalado que su instrumento vocal sufrió un deterioro prematuro debido al uso continuado durante la adolescencia y a los problemas de salud, pero precisamente esa textura raspada y vulnerable se convirtió en uno de sus principales recursos expresivos. Frank Sinatra, testigo de varias de sus actuaciones, afirmó que «la mejor cantante de todos los tiempos fue Judy Garland».[7]
Su fraseo combinaba la dicción clara del teatro musical con un sentido innato del timing dramático. En baladas como «The Man That Got Away» o «Over the Rainbow» sabía construir un crescendo desde la confidencia susurrada hasta el clímax a pleno pulmón, generando en el público una catarsis colectiva. No era una improvisadora en el sentido jazzístico del término, pero su manera de atacar una nota y sostenerla en el aire le otorgaba a cada interpretación un carácter irrepetible.
Sobre el escenario, Garland mantenía una conexión casi física con los espectadores. Entre canción y canción, introducía comentarios personales, bromeaba sobre su vida y mostraba una fragilidad que la hacía parecer auténtica. Este estilo la convirtió, durante los años cincuenta, en una de las artistas de concierto mejor pagadas del mundo.
5. Palmarés, récords y distinciones[editar]
Judy Garland acumuló una importante colección de galardones en vida y de manera póstuma. A continuación se enumeran algunos de los más significativos.
[ Ver lista de premios y reconocimientos ]
- Óscar Juvenil (1940) — por sus actuaciones juveniles en 1939.
- Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical (1955) — por A Star Is Born.
- Premio Tony especial (1952) — por su contribución al teatro estadounidense durante la temporada en el Palace Theatre.
- Premios Grammy:
- Álbum del Año (1962) — Judy at Carnegie Hall.
- Mejor vocalista femenina (1962) — mismo álbum.
- Grammy a la carrera artística (1997, póstumo).
- Nominación al Óscar como mejor actriz (1955) — A Star Is Born.
- Nominación al Óscar como mejor actriz de reparto (1962) — Judgment at Nuremberg.
- Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
- Ingreso al Salón de la Fama del Grammy en múltiples ocasiones por canciones como «Over the Rainbow» y «The Trolley Song».
- Salón de la Fama del Teatro Americano (1984, póstumo).
- En 1999, el American Film Institute la situó en el octavo puesto de su lista de las 25 mayores estrellas femeninas del cine clásico de Hollywood.
Además, el disco Judy at Carnegie Hall es uno de los álbumes en vivo más vendidos de todos los tiempos y ha sido incluido en numerosas listas de los mejores discos de la historia.
6. Vida personal, luchas y legado cultural[editar]
La vida personal de Garland estuvo marcada por la inestabilidad. Contrajo matrimonio en cinco ocasiones y tuvo tres hijos. El padre de su hija mayor, Liza Minnelli, fue el director Vincente Minnelli; con el productor Sidney Luft tuvo a Lorna Luft y Joey Luft. Sus relaciones con la prensa fueron complejas y varios episodios de sus biografías (intentos de suicidio, crisis nerviosas, juicios por deudas) fueron objeto de una cobertura sensacionalista que la artista supo capitalizar en sus shows pero que, al mismo tiempo, minó su salud mental.
En el plano cultural, Judy Garland se convirtió en un ícono de la comunidad LGBT a partir de la década de 1950. La combinación de su fuerza sobre el escenario, su evidente sufrimiento personal y su círculo de admiradores homosexuales —entre ellos muchos de los hombres que trabajaban en los estudios— contribuyó a forjar una identificación que persiste hasta hoy. La persecución policial a los bares gais y la respuesta de la comunidad están ligados, en la memoria popular, al funeral de Garland en junio de 1969, días antes de los disturbios de Stonewall.[8] Aunque la relación causal es hoy debatida por los historiadores, el simbolismo está arraigado.
Tras su muerte, ocurrida en Londres el 22 de junio de 1969 por una sobredosis accidental de barbitúricos, su figura no hizo más que agrandarse. Se han escrito docenas de biografías, se han montado obras teatrales y se han producido películas que retratan diferentes momentos de su vida. La más reciente, Judy (2019), con Renée Zellweger en el papel principal, obtuvo un Óscar a la mejor actriz y despertó un renovado interés por la artista en las nuevas generaciones.
7. Presencia en el mundo hispanohablante[editar]
En 
España y América Latina, Judy Garland fue una figura familiar desde finales de los años treinta gracias al doblaje de sus películas. El mago de Oz se conoce en la región con este título o como El maravilloso mago de Oz, y las versiones dobladas al español se proyectaron en salas de toda Latinoamérica durante los años cuarenta. La canción «Over the Rainbow» recibió múltiples adaptaciones, y su melodía sigue siendo un estándar en las escuelas de música.
[ Ver detalles sobre doblaje y versiones ]
- El primer doblaje de The Wizard of Oz para América Latina fue realizado en Los Ángeles por el estudio de doblaje de MGM en español[sin verificar]. Posteriormente se hicieron redoblajes para televisión.
Más allá de los datos concretos, lo relevante es cómo la imagen de Garland —la eterna luchadora, la mujer que transforma el dolor en arte— halló eco en audiencias que vivían sus propias realidades de migración, censura o marginación. En cabarets de Buenos Aires, clubes de La Habana y teatros de Madrid se la recuerda no solo como una estrella de Hollywood, sino como una presencia íntima, casi familiar.
Las hermanas Gumm comenzaron a cantar juntas alrededor de 1927. Su madre las acompañaba al piano y gestionaba los contratos. Con el tiempo, el trío cambió de nombre a «The Garland Sisters», aunque solo Judy conservó el apellido artístico de manera permanente. ↩︎
Existen versiones que apuntan a que el nombre «Judy» proviene de una sugerencia de Jessel mientras leía una reseña sobre la actriz Judith Anderson, pero el biógrafo Gerald Clarke sostiene que la inspiración fue la canción popular del momento. La fecha exacta del cambio legal de nombre varía según las fuentes entre 1934 y 1942. ↩︎
El Premio Juvenil de la Academia fue una pequeña estatuilla honorífica que se entregó esporádicamente entre 1934 y 1960 a intérpretes menores de dieciocho años. Otros galardonados incluyen a Shirley Temple y Deanna Durbin. ↩︎
Vincente Minnelli dirigió a Garland en cuatro películas: Meet Me in St. Louis (1944), The Clock (1945), Ziegfeld Follies (1945) y The Pirate (1948). Su matrimonio fue un acontecimiento cubierto profusamente por las revistas del corazón de la época. ↩︎
Garland declaró en entrevistas posteriores que los ejecutivos de MGM le suministraban anfetaminas para controlar su peso desde los catorce años y barbitúricos para dormir. Esta práctica, que entonces no era inusual en la industria, está documentada en el libro Get Happy de Gerald Clarke. ↩︎
El éxito de Judy at Carnegie Hall fue tal que Capitol Records lo reeditó varias veces en formatos ampliados. La grabación captura la velada del 23 de abril de 1961, considerada una de las cumbres de la música popular en vivo. ↩︎
La frase de Frank Sinatra ha sido citada frecuentemente en documentales y homenajes. Sinatra y Garland compartieron escenarios en numerosas galas benéficas durante los años cuarenta y cincuenta. ↩︎
La madrugada del 28 de junio de 1969, horas después del funeral de Garland en Nueva York, se produjo la redada policial en el bar Stonewall Inn que desencadenó los disturbios. Algunos testigos mencionaron que el ambiente de dolor por la muerte de la artista contribuyó a la determinación de los asistentes, pero la mayoría de estudios académicos evitan establecer una conexión directa. ↩︎