Bob Marley
| Bob Marley | |
|---|---|
| Marley en concierto, 1980 | |
| Nombre de nacimiento | Robert Nesta Marley |
| Nacimiento | 6 de febrero de 1945 Nine Mile, Saint Ann, Jamaica |
| Fallecimiento | 11 de mayo de 1981 (36 años) Miami, Florida,  Estados Unidos |
| Causa de muerte | Melanoma acral lentiginoso |
| Sepultura | Nine Mile, Saint Ann, Jamaica |
| Nacionalidad | Jamaicana |
| Etnia | Afrodescendiente y blanca |
| Religión | Rastafari |
| Cónyuge | Rita Marley (matr. 1966) |
| Hijos | Varios, entre ellos Ziggy, Stephen, Damian, Cedella y Sharon —esta última adoptada— |
| Ocupación | Cantante, compositor, guitarrista, percusionista |
| Años activo | 1962–1981 |
| Géneros | Reggae, ska, rocksteady, roots reggae |
| Instrumentos | Voz, guitarra, percusión |
| Discográficas | Studio One, Beverley's, Upsetter Records, Tuff Gong, Island Records |
| Grupos | The Wailers, Bob Marley & The Wailers |
| Sitio web | bobmarley.com |
| Firma | —firma autógrafa— |
1. Resumen[editar]
Robert Nesta Marley (Nine Mile, Saint Ann, Jamaica; 6 de febrero de 1945 – Miami, Florida, Estados Unidos; 11 de mayo de 1981), conocido mundialmente como Bob Marley, fue un cantante, compositor, guitarrista y percusionista jamaicano. Es considerado el máximo exponente del reggae y uno de los músicos más influyentes del siglo XX.[1]
Marley transformó el reggae de un fenómeno local jamaicano en un movimiento musical y cultural global. Su fusión de ritmos caribeños —ska, rocksteady y reggae— con letras que abordaban la espiritualidad rastafari, la justicia social, el panafricanismo y el amor, caló profundamente en audiencias de todos los continentes. Junto a su grupo, The Wailers, y posteriormente como Bob Marley & The Wailers, publicó una serie de álbumes que definieron el sonido del reggae y se convirtieron en clásicos de la música popular.
Entre sus trabajos más celebrados se encuentran los álbumes Catch a Fire (1973), Burnin' (1973), Natty Dread (1974), Rastaman Vibration (1976), Exodus (1977), Kaya (1978), Survival (1979) y Uprising (1980). La compilación póstuma Legend (1984) es uno de los discos más vendidos de todos los tiempos, con más de 25 millones de copias en todo el mundo.
Canciones como «No Woman, No Cry», «Redemption Song», «One Love / People Get Ready», «Jamming», «Three Little Birds», «Buffalo Soldier» e «Iron Lion Zion» se han convertido en himnos universales y forman parte del cancionero popular global.
Marley profesó la fe rastafari y la incorporó como eje de su obra y de su vida pública. Su imagen —las rastas, la bandera etíope, la hoja de cannabis— es hoy sinónimo del reggae y de la contracultura de paz y resistencia. Falleció a los 36 años a causa de un melanoma que se le diagnosticó en 1977 y que, pese a los tratamientos, se extendió a otras partes del cuerpo. Su funeral en Jamaica reunió a decenas de miles de personas y fue un evento de Estado.
En el ámbito hispanohablante, Marley goza de una veneración transversal. Su música se escucha en barrios populares, estadios, festivales y reuniones familiares. Las traducciones de sus canciones, los discos de versiones en español y la presencia de su estética en la cultura visual de América Latina y 
España confirman que su legado no tiene fronteras idiomáticas.
2. Primeros años y formación[editar]
2.1. Orígenes familiares[editar]
Bob Marley nació en la pequeña aldea de Nine Mile, en la parroquia de Saint Ann, al norte de Jamaica. Su madre, Cedella Booker, era una adolescente jamaicana de ascendencia africana; su padre, Norval Sinclair Marley, era un capitán de la Marina británica de origen inglés y sirio, considerablemente mayor que Cedella.[2] La diferencia de edad y de origen étnico generó tensiones. Norval se casó con Cedella pero apenas participó en la crianza: visitaba esporádicamente a la familia y falleció cuando Bob tenía 9 años.
La infancia de Bob transcurrió en la pobreza rural. Cedella y su hijo se trasladaron a Trench Town, un barrio popular de Kingston, cuando Bob tenía alrededor de 12 años. Trench Town era un crisol de miseria, creatividad y ebullición cultural: allí se gestaban el ska y el rocksteady que darían forma al reggae. La experiencia de crecer en un gueto marcó profundamente su visión del mundo y su sensibilidad social. Él mismo llamó a Trench Town «el lugar que me enseñó todo».[3]
2.2. Inicios musicales[editar]
Siendo adolescente, Bob abandonó la escuela y comenzó a trabajar como soldador. En sus ratos libres se reunía con amigos del barrio para cantar y tocar instrumentos. Junto a Neville Livingston —más tarde conocido como Bunny Wailer— y Peter Tosh formó un grupo vocal que ensayaba armonías influidas por el doo-wop estadounidense y los ritmos jamaicanos.
En 1962 grabó sus primeros sencillos como solista para el productor Leslie Kong: «Judge Not» y «One Cup of Coffee», que pasaron sin mayor repercusión. Poco después, el trío comenzó a trabajar con el productor Clement «Coxsone» Dodd en el legendario sello Studio One. Bajo el nombre de The Wailing Wailers —luego acortado a The Wailers—, grabaron temas que se convirtieron en éxitos locales, como «Simmer Down» (1963), que llegó al número uno en Jamaica.
El grupo pasó por diversas formaciones y productores. En esa etapa inicial, el ska era el ritmo dominante, pero The Wailers ya mostraban una inclinación hacia letras más profundas que las habituales canciones de baile.
3. Trayectoria[editar]
3.1. Los años de formación: ska y rocksteady (1963–1972)[editar]
Durante la década de 1960, The Wailers fueron moldeando su sonido. Tras los éxitos iniciales con Studio One, el grupo se separó brevemente de Dodd y formó su propio sello, Wail 'n Soul 'm, que no prosperó. A finales de los sesenta, trabajaron con el productor Lee «Scratch» Perry, quien introdujo una instrumentación más libre y una base rítmica más pesada, emparentada con el rocksteady.
Con Perry grabaron temas como «Duppy Conqueror», «Soul Rebel» y «Small Axe». Fue en ese período cuando el sonido del grupo se acercó al reggae propiamente dicho, con el bajo más prominente y un tempo más reposado. La asociación con Perry fue breve pero decisiva: el productor les enseñó a usar el estudio como un instrumento, algo que Marley explotaría en su etapa posterior.
Aunque en Jamaica The Wailers eran estrellas, fuera de la isla eran prácticamente desconocidos. El mercado musical internacional ignoraba el reggae, y los discos de la banda apenas se distribuían fuera del Caribe y algunas comunidades jamaicanas en el Reino Unido.
3.2. Salto internacional con Island Records (1973–1975)[editar]
El punto de inflexión llegó en 1972, cuando Bob Marley firmó un contrato con Island Records, un sello británico dirigido por Chris Blackwell. La historia, que ha adquirido ribetes legendarios, cuenta que Marley y The Wailers se presentaron en la oficina de Blackwell, quien quedó impresionado por la calidad de las canciones y el magnetismo de Bob.[4] El contrato incluía una financiación para grabar un álbum, algo inédito para una banda de reggae.
El resultado fue Catch a Fire (abril de 1973), el primer disco de reggae concebido como un álbum de estudio al estilo del rock internacional. Blackwell añadió arreglos de guitarra y teclado —a cargo de músicos como Wayne Perkins— para suavizar la entrada del sonido jamaicano en los oídos del público rock. El álbum recibió críticas excelentes y comenzó a girar en emisoras universitarias y progresivas de Estados Unidos y Europa.
Burnin' (octubre de 1973) consolidó ese éxito con temas como «Get Up, Stand Up» y «I Shot the Sheriff». Esta última alcanzó el número uno en Estados Unidos en la versión de Eric Clapton (1974), lo que abrió las puertas a Marley como compositor de talla mundial.
En 1974, Peter Tosh y Bunny Wailer abandonaron el grupo, en parte por diferencias creativas y en parte por la resistencia a la internacionalización que promovía Blackwell. Bob refundó la banda como Bob Marley & The Wailers e incorporó a las I Threes —un trío vocal femenino formado por Rita Marley, Judy Mowatt y Marcia Griffiths— para las armonías.
Natty Dread (1974) fue el primer álbum con la nueva formación y contiene clásicos como «No Woman, No Cry» y «Them Belly Full (But We Hungry)». La versión en directo de «No Woman, No Cry», grabada en el Lyceum Theatre de Londres en 1975, se convirtió en uno de los sencillos más exitosos de Marley.
3.3. Consagración: Rastaman Vibration y Exodus (1976–1977)[editar]
Rastaman Vibration (1976) entró en el Top 10 de la lista de álbumes de Estados Unidos, la posición más alta alcanzada por un disco de Marley en vida. El disco contenía «War», una canción basada en un discurso del emperador Haile Selassie I de Etiopía ante las Naciones Unidas.
Ese mismo año, Jamaica vivía una violencia política extrema entre el Partido Nacional del Pueblo (PNP) y el Partido Laborista de Jamaica (JLP). Marley, como figura respetada por amplios sectores populares, aceptó participar en un concierto gratuito por la paz, el Smile Jamaica Concert, programado para el 5 de diciembre de 1976. El 3 de diciembre, hombres armados irrumpieron en su residencia de Kingston y le dispararon junto a Rita y a su mánager, Don Taylor. Marley fue alcanzado en el pecho y el brazo, pero sobrevivió. Dos días después, pese a las heridas, se presentó en el escenario ante 80 mil personas. La imagen de Bob Marley mostrando sus vendajes se convirtió en un emblema de resistencia.
Tras el atentado, Marley se exilió voluntariamente en Londres. Allí grabó Exodus (1977), un álbum que mezcla mensajes de redención, espiritualidad y amor. Exodus permaneció 56 semanas en las listas británicas y la revista Time lo eligió «álbum del siglo XX» en 1999.[5] De ese disco salieron los sencillos «Jamming», «Three Little Birds» y «One Love / People Get Ready».
3.4. Madurez artística: Kaya, Survival y Uprising (1978–1980)[editar]
Kaya (1978) fue un disco más íntimo y relajado, dedicado en gran parte al amor y la sensualidad. Aunque recibió críticas de algunos sectores que lo acusaban de haberse «aburguesado», el álbum contiene canciones queridas por el público como «Is This Love» y «Sun Is Shining».
Ese mismo año, Marley regresó a Jamaica para el One Love Peace Concert, donde logró que el primer ministro Michael Manley y el líder opositor Edward Seaga se dieran la mano en el escenario. El gesto tiene una dimensión casi mítica en la historia jamaicana, aunque no detuvo la violencia política.
Survival (1979) fue un giro hacia el panafricanismo militante. La portada del disco mostraba las banderas de los países africanos independientes. Canciones como «Zimbabwe» —que celebraba la independencia del país africano—, «Africa Unite» y «So Much Trouble in the World» expresaban un compromiso político explícito con la liberación del continente negro.
Uprising (1980) fue su último álbum de estudio en vida. Contiene «Redemption Song», una canción acústica que resume su filosofía vital: la libertad interior como primer paso para la emancipación colectiva. La grabación, apenas voz y guitarra, se ha convertido en un testamento artístico. El álbum también incluía «Could You Be Loved», que coqueteaba con el disco y la música bailable y que se convirtió en uno de sus mayores éxitos comerciales.
La gira europea de 1980 batió récords de asistencia. Actuó en el Westfalenhalle de Dortmund (Alemania) y, en Milán, ante un público de cien mil espectadores.
3.5. Últimos conciertos y fallecimiento[editar]
En septiembre de 1980, Marley actuó en el Stanley Theatre de Pittsburgh (Estados Unidos) y posteriormente en el Madison Square Garden de Nueva York. Serían sus últimos conciertos. Durante una caminata en Central Park, sufrió un desvanecimiento. Los exámenes médicos revelaron que el melanoma que se le había diagnosticado tres años antes —y que se había negado a tratar quirúrgicamente por razones religiosas— se había extendido al cerebro, los pulmones y el hígado.
Bob Marley intentó tratamientos en la clínica del Dr. Josef Issels en Baviera (Alemania), una terapia holística que combinaba dieta, ejercicio y medicina alternativa. Tras ocho meses sin mejoría significativa, decidió regresar a Jamaica para pasar sus últimos días. Sin embargo, durante el vuelo de regreso, su condición se deterioró gravemente y el avión aterrizó de emergencia en Miami, Florida. Falleció en el hospital el 11 de mayo de 1981.
El 21 de mayo de 1981, Jamaica le ofreció un funeral de Estado. El cortejo fúnebre recorrió Kingston antes de trasladarse a Nine Mile, donde fue sepultado junto a su guitarra Gibson Les Paul, una Biblia y un brote de cannabis. Miles de personas acompañaron el féretro, y las emisoras jamaicanas transmitieron su música durante horas.
4. Estilo y características[editar]
4.1. Voz y entrega emocional[editar]
La voz de Bob Marley es reconocible al instante. Poseía un registro de tenor ligero con una aspereza nasal que le daba carácter. Más que la técnica vocal, lo que impactaba era su capacidad para transmitir convicción. Interpretaba temas de denuncia con la misma naturalidad que canciones de amor, sin que una faceta desmereciera a la otra. La pronunciación del patois jamaicano, tamizada para ser inteligible sin perder autenticidad, fue una de las claves de su alcance global.
4.2. Composición y lírica[editar]
Las letras de Marley abordan tres grandes ejes temáticos:
- Espiritualidad rastafari: Referencias a Jah (Dios), a la salvación, a la tierra prometida en África (Zion) y a la opresión de Babilonia (el sistema occidental).
- Justicia social y política: Canciones sobre la pobreza, la opresión, la esclavitud histórica, el colonialismo y la emancipación negra. «Get Up, Stand Up» es un llamado a la acción; «War» denuncia el racismo internacional.
- Amor y vida cotidiana: Temas de amor romántico («Is This Love»), de celebración comunitaria («Jamming», «Three Little Birds») y de resiliencia personal («Redemption Song»).
Su habilidad para combinar denuncia y celebración, espiritualidad y sensualidad, es uno de los rasgos más señalados por la crítica.
4.3. Ritmo y arreglos[editar]
Marley trabajó casi siempre con una base rítmica sólida: bajo, batería, guitarra rítmica y teclados que marcaban el skank, el característico acento contratiempo del reggae. La incorporación de las I Threes añadió un tapiz vocal femenino que suavizaba y enriquecía el sonido. Los arreglos de vientos (saxofón, trompeta) y los solos de guitarra en los discos de Island Records dotaron a sus canciones de una producción cercana al rock, lo que facilitó su inserción en las radios internacionales.
A diferencia de otros artistas de reggae más experimentales, Marley prefería las estructuras claras de estrofa-estribillo, con melodías pegadizas y coros fáciles de corear. Esta orientación hacia la canción popular fue deliberada y esencial para su éxito de masas.
5. Palmarés y récords[editar]
Aunque los grandes premios comerciales le llegaron en su mayor parte de manera póstuma, el impacto comercial y cultural de Bob Marley está avalado por cifras, reconocimientos y distinciones:
[ Ver listado de premios, ventas y distinciones ]
- Salón de la Fama del Rock and Roll: incluido en 1994.
- Premio Grammy a la carrera artística (Lifetime Achievement Award).
- Estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.
- Legend (1984): compilación más vendida de reggae y uno de los discos más vendidos de todos los tiempos. Certificada 15 veces platino en Estados Unidos.
- Álbum del siglo XX según Time (1999): Exodus.
- Canción del milenio según la BBC (1999): «One Love / People Get Ready».
- En 2010, la revista Rolling Stone incluyó el álbum Catch a Fire en su lista de los «500 mejores álbumes de todos los tiempos».
- Marley figura entre los artistas que más discos venden anualmente, aun después de muerto: se estima que vende varios millones de copias al año en todo el mundo.
- En Jamaica, su natalicio (6 de febrero) se celebra con actos públicos y homenajes; la casa-museo de Nine Mile recibe miles de visitantes al año.
6. Vida pública y legado[editar]
6.1. Rastafari y activismo[editar]
Marley abrazó el rastafarismo a finales de los años sesenta. Para los rastas, el emperador etíope Haile Selassie I es la encarnación de Jah, y África es la patria espiritual de los descendientes de esclavos. Bob adoptó las rastas o dreadlocks, siguió una dieta ital (vegetariana, sin aditivos artificiales) e hizo del cannabis un sacramento personal y un acto de resistencia cultural. En sus conciertos, la bandera etíope con los colores rojo, dorado y verde estaba siempre presente.
Su activismo no se limitaba a las letras. Participó en conciertos benéficos, donó dinero a comunidades pobres y utilizó su fama para visibilizar la situación de los guetos jamaicanos. Aunque rehuyó la política partidista, fue percibido como un líder popular. Su papel en el acercamiento entre Manley y Seaga en 1978 es el ejemplo más citado de esa posición simbólica.
6.2. Icono cultural y legado económico[editar]
Bob Marley es una de las figuras más mercadeables de la historia de la música. Su imagen —en camisetas, pósteres, banderas, arte urbano— es un ícono universal, comparable a la del Che Guevara o Marilyn Monroe. La marca Bob Marley genera ingresos anuales por concepto de licencias, productos oficiales y derechos musicales que se estiman en decenas de millones de dólares.
La finca de Nine Mile y el Museo de Bob Marley en Kingston (ubicado en su antigua residencia, en Hope Road) son destinos turísticos de primer orden en Jamaica. La cultura del reggae, en buena medida gracias a él, es hoy un atractivo turístico y una seña de identidad nacional.
6.3. Familia y herederos musicales[editar]
Con Rita Marley tuvo varios hijos: Cedella, Ziggy, Stephen y otros. Además, Bob tuvo hijos con otras mujeres, entre ellos Damian Marley —ganador de varios Grammy— y Julian Marley. Varios de sus descendientes se han dedicado a la música con éxito. Ziggy Marley & The Melody Makers triunfaron en los años ochenta y noventa; Stephen Marley ha producido discos de reggae influyentes, y Damian Marley fusionó reggae con hip-hop en su álbum Welcome to Jamrock (2005). La «dinastía Marley» es una de las sagas musicales más relevantes del mundo.
Rita Marley ha mantenido vivo el legado a través de la Fundación Bob Marley y de numerosas iniciativas culturales y benéficas en Jamaica y en África.
6.4. Representaciones en el cine y la cultura popular[editar]
La vida de Marley ha sido llevada a la pantalla en varias ocasiones:
- Marley (2012), documental dirigido por Kevin Macdonald, con material de archivo inédito, es la biografía audiovisual de referencia. Recibió elogios de la crítica y se estrenó en numerosos países de habla hispana.
- Bob Marley: One Love (2024), largometraje biográfico producido por la familia Marley, con Kingsley Ben-Adir como Bob y Lashana Lynch como Rita. La película tuvo un amplio estreno en cines de América Latina y España.
- Además, su música ha aparecido en multitud de películas, series y anuncios. «Three Little Birds» se ha utilizado en campañas publicitarias globales, y «Redemption Song» se ha interpretado en actos solidarios y ceremonias oficiales.
6.5. Influencia en otros artistas[editar]
La huella de Marley en músicos posteriores es profunda. Artistas de pop, rock, hip-hop, música electrónica y world music han versionado sus canciones, han sampleado sus ritmos o han declarado su influencia. Eric Clapton, Stevie Wonder, Lauryn Hill, Manu Chao, Los Cafres, Gondwana, Cultura Profética, Rihanna y muchos otros han grabado o interpretado temas de Marley, o han señalado su influencia en su propia obra.
7. Presencia en el mundo hispanohablante[editar]
7.1. Difusión en América Latina[editar]
El reggae de Bob Marley llegó a América Latina de manera masiva a partir de los años ochenta, aunque ya existían circuitos de difusión en países caribeños como 
Panamá, 
Costa Rica y 
Colombia desde los setenta. La sencillez de sus melodías y la universalidad de sus mensajes facilitaron la rápida adopción en barriadas, campus universitarios y movimientos sociales.
México, 
Argentina, Chile, 
Venezuela, Perú y 
Brasil (donde se canta mayoritariamente en portugués, pero se le considera parte del mismo circuito cultural) son países con fuerte arraigo marleyano. En Argentina, la banda Los Cafres se convirtió en uno de los grupos de reggae en español más exitosos, y su versión de «Wait in Vain» es un clásico local. En Chile, Gondwana y Quique Neira han versionado canciones de Marley. En 
Puerto Rico, Cultura Profética ha reinterpretado varios temas.
En el movimiento de la Nueva Canción y en el rock latinoamericano, el reggae de Marley fue asimilado como parte de un lenguaje de resistencia. Durante las dictaduras de los años ochenta, sus canciones circularon en casetes clandestinos y fueron parte de la banda sonora de movimientos estudiantiles y de derechos humanos.
7.2. España[editar]
En España, el reggae llegó con cierto retraso respecto al resto de Europa, pero Marley se hizo popular a partir de finales de los setenta. Las emisoras de radio independientes, los sellos discográficos progresivos y los locales de música en vivo de ciudades como Barcelona, Madrid y Bilbao fueron clave en su difusión. El concierto de Bob Marley en España nunca llegó a ocurrir —la gira europea de 1980 se canceló antes de pisar la península—, pero su leyenda se instaló igualmente.
Grupos como Kortatu, Mano Negra (liderada por Manu Chao) y posteriormente Macaco, Ojos de Brujo o Muchachito Bombo Infierno incorporaron el ritmo reggae y citaron a Marley como influencia. En las Islas 
Canarias, por su cercanía cultural con el Caribe, la afición por Marley es especialmente intensa y ha dado lugar a festivales y tributos anuales.
7.3. Doblaje y versiones en español[editar]
Las películas biográficas Marley (2012) y Bob Marley: One Love (2024) se estrenaron en cines de España y Latinoamérica con doblaje al español neutro realizado en estudios de México o de Miami, dependiendo del territorio. Las canciones se mantuvieron en inglés con subtítulos.
Existen numerosas recopilaciones de reggae en español con versiones de sus temas. Artistas como Los Pericos (Argentina), Mimi Maura (Puerto Rico/Argentina), Morodo (España) y Alika (Argentina/
Uruguay) han grabado álbumes completos o canciones sueltas versionando a Marley. La letra de «Redemption Song» ha sido traducida y recitada en actos escolares y culturales en muchos países.
7.4. Estatus actual del legado en español[editar]
Hoy, Bob Marley es un referente en América Latina y España en todos los estratos sociales. Su imagen decora negocios de artesanía, bares universitarios, loncheras escolares y murales de arte urbano. Su música se programa en bodas, fiestas populares, festivales de verano y ceremonias religiosas alternativas. La frase «One Love» es reconocida incluso por quienes no hablan inglés. El reggae en español, como género consolidado, le debe a Bob Marley el modelo de artista comprometido, espiritual y popular que tantos músicos han tratado de emular.
8. Discografía esencial[editar]
Aunque la discografía completa de Bob Marley es extensa, especialmente si se cuentan los singles y las producciones jamaicanas previas a 1972, la siguiente tabla recoge los álbumes de estudio publicados en vida y las compilaciones más destacadas:
[ Ver discografía seleccionada ]
| Año | Título | Observaciones |
|---|---|---|
| 1973 | Catch a Fire | Primer álbum internacional; producido por Chris Blackwell. |
| 1973 | Burnin' | Incluye «I Shot the Sheriff» y «Get Up, Stand Up». |
| 1974 | Natty Dread | Primer disco sin Tosh ni Bunny Wailer; incluye «No Woman, No Cry». |
| 1976 | Rastaman Vibration | Alcanzó el Top 10 en Estados Unidos. |
| 1977 | Exodus | Grabado en Londres tras el exilio; elegido «Álbum del siglo» por Time. |
| 1978 | Kaya | Disco de amor y paz, con «Is This Love» y «Sun Is Shining». |
| 1979 | Survival | Panafricanista; incluye «Zimbabwe» y «Africa Unite». |
| 1980 | Uprising | Último álbum en vida; incluye «Redemption Song» y «Could You Be Loved». |
| 1983 | Confrontation | Álbum póstumo con material grabado antes de su muerte. |
| 1984 | Legend | Compilación definitiva; el disco de reggae más vendido de todos los tiempos. |
9. Véase también[editar]
- Reggae
- Rastafari
- Peter Tosh
- Bunny Wailer
- The Wailers
- Ziggy Marley
- Haile Selassie I
La revista Rolling Stone lo incluyó en su lista de los «100 artistas más grandes de todos los tiempos». En 1994 fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll. La BBC lo nombró «uno de los compositores más líricos y políticamente agudos de la historia». ↩︎
Norval Marley rondaba los sesenta años cuando Bob nació. Se ha especulado con que el matrimonio fue una forma de escapar al reclutamiento para la Segunda Guerra Mundial. ↩︎
En la canción «Trench Town Rock» (1971) sintetiza ese sentimiento: «One good thing about music, when it hits you feel no pain. / Hit me with music now, brutalize me with music, inna Trench Town». ↩︎
Chris Blackwell afirmó en entrevistas posteriores que Marley les pidió dinero para volver a Jamaica y grabar, y que él aceptó con la condición de que hicieran un disco «que pudiera sonar en la radio internacional». ↩︎
La elección de Time generó cierta polémica, ya que no era una publicación especializada en música. Sin embargo, el impacto cultural del disco es indiscutible. ↩︎